Welcome to the brand new Arthive! Discover a full list of new features here.

The Arnolfini portrait

Jan van Eyck • Malerei, 1434, 82×60 cm
$54
Digital copy: 2.0 MB
3087 × 4226 px • JPEG
60 × 82 cm • 131 dpi
52.3 × 71.6 cm • 150 dpi
26.1 × 35.8 cm • 300 dpi
Digital copy is a high resolution file, downloaded by the artist or artist's representative. The price also includes the right for a single reproduction of the artwork in digital or printed form.
Kommentare
0
Über das Kunstwerk
Kunstgattung: Malerei
Motiv und Objekte: Porträt, Animalismus, Interieur
Technik: Öl
Materialien: Baum
Erstellungsdatum: 1434
Größe: 82×60 cm
Das Kunstwerk befindet sich in den ausgewählten Sammlungen: 107 selections
Digital copy shipping and payment
A link for digital copy downloading will be available right after the payment is processed
Pay on site. We accept Visa, MasterCard, American Express.

Bildbeschreibung «The Arnolfini portrait»

"Porträt des Arnolfini-Paares" - vielleicht das bekannteste Werk von Jan van Eyck zusammen mit Altar von Gent... Dieses Gemälde gilt aufgrund seiner Schönheit, komplexen Ikonographie, geometrischen orthogonalen Perspektive und der Erweiterung des Raums mit einem Spiegel als eines der originellsten und mysteriösesten in der westlichen Kunst. Viele diesbezügliche Fragen haben noch keine eindeutige Antwort erhalten und sind Gegenstand langjähriger Kontroversen zwischen Wissenschaftlern.

Erstens können sich Kunsthistoriker nicht darauf einigen, ob es sich bei diesem Doppelporträt um ein Hochzeitsporträt handelt. Einige Experten sehen darin eine einzigartige Form eines Ehevertrags, dessen Abschluss vom Künstler selbst bezeugt wurde. In der National Gallery in London, in der das Meisterwerk aufbewahrt wird, heißt es jedoch eindeutig, dass dies ein Bild eines Ehepaares ist, aber keine Hochzeit. Diese Meinung gilt heute als die maßgeblichste.

Mit hoher Wahrscheinlichkeit kann man nur behaupten, dass das Gemälde einen italienischen Kaufmann darstellt Giovanni di Nikolao Arnolfini und seine Frau, wahrscheinlich in ihrem Haus in Brügge.

Der zweite Satz in der Beschreibung des Gemäldes auf der Website der Nationalgalerie beginnt mit den Worten "Seine Frau ist nicht schwanger ...". Wenn Sie genau hinschauen, können Sie sehen, dass die Illusion eines abgerundeten Bauches durch die Falten eines schweren Kleides gebildet wird, das die Dame gesammelt und unter ihrem Busen gehalten hat. Im Allgemeinen wurde das Bild schwangerer Frauen in der Renaissance als unangemessen angesehen, und im dritten Trimester waren Frauen während der Abrisse zu Hause und erschienen nicht in der Öffentlichkeit. Die Geste der Heldin des Bildes, die heute als Hinweis auf zukünftige Mutterschaft interpretiert wird, war damals ein Zeichen weiblicher Bescheidenheit - Mädchen wurden angewiesen, ihre Hände in der Öffentlichkeit in der Öffentlichkeit an den Gürteln zu halten.

Trotzdem sind auf dem Bild Hinweise auf eine Schwangerschaft oder ihre Erwartung zu sehen - von reifen Früchten auf der Fensterbank bis hin zu einer Holzstatuette der Heiligen Margarete, der Patronin der Frauen in der Arbeit. Sie ist dargestellt, wie sie den Drachen der Häresie auf dem Kopfteil neben dem Kopf der Frau besiegt.

Einige Wissenschaftler schlagen aus mehreren Gründen vor, dass die junge Dame im Porträt tatsächlich ein Jahr vor dem Malen des Gemäldes oder während der Arbeit daran gestorben ist. In einem eisernen Kronleuchter ist beispielsweise eine brennende Kerze über einem Mann und eine erloschene über einer Frau dargestellt. Das zweite Zeichen sind Szenen der Passion Christi, gemalt in winzigen (halben Nagel) Medaillons in einem Spiegelrahmen hinter dem Rücken der Helden. Von Arnolfinis Seite gibt es Szenen aus Jesu Lebzeiten, von der Seite seiner Frau - Szenen nach dem Tod. Die Version des posthumen Porträts wird jedoch ebenfalls in Frage gestellt.

Kunstkritiker hoffen nicht, jemals genau zu verstehen, was auf dem Bild dargestellt wird. Es besteht kein Zweifel, dass dies nicht nur ein Doppelporträt ist, hier passiert etwas Wichtiges. Die Hände des Paares sind beide verbunden zog ihre Schuhe aus (Die Beine der Frau werden von einem Rock versteckt, aber vom Sofa im hinteren Teil des Raumes Ihre Schuhe sind). All dies hat eine symbolische Bedeutung. Das Fehlen von Schuhen an den Füßen kann beispielsweise auf ein heiliges Ereignis hinweisen, und eine brennende Kerze in einem Kronleuchter kann ein Symbol für die Gegenwart Gottes sein.

Der Mann hebt die Hand und legt entweder einen Eid ab oder begrüßt einfach Besucher, die gesehen werden können im Spiegel... Es zeigt, dass zwei Personen auf der Schwelle des Raumes stehen (nur anstelle des Betrachters) - vielleicht Zeugen dessen, was passiert. Einer von ihnen scheint der Maler selbst zu sein, was durch eine elegante Inschrift zwischen Spiegel und Kronleuchter unterstützt wird: "Johannes van eyck fuit hic" oder "Jan van Eyck war hier". Dies schafft ein Gefühl für die Präsenz und das Zeugnis des Künstlers.

Die Helden des Bildes waren sehr reich. In gewisser Weise kann das Arnolfini-Porträt als Porträt des Reichtums bezeichnet werden. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts war Brügge eine wirtschaftlich prosperierende Stadt und ein wichtiges Handelszentrum in Nordeuropa, und die Familie Arnolfini war eine einflussreiche Finanzdynastie. Der Reichtum der Ehepartner wird durch viele Details belegt - von der Kleidung bis zur Einrichtung des Zimmers. Einer Version zufolge überträgt ein Mann - in einer feierlichen Atmosphäre und in Anwesenheit von Zeugen - seiner Frau das Recht, einen Teil seines Eigentums zu verwalten.

Hund steht zwischen Mann und Frauist ein Symbol für Hingabe und Treue - dieses Tier wurde oft in gepaarten Porträts von Ehepartnern aufgenommen. Ein weiteres interessantes Element sind die Orangen auf der Fensterbank. Sie können auch Reichtum bedeuten, da diese Früchte in Flandern sehr teuer waren. Es gibt eine Vermutung, dass Arnolfini sie ins Land gebracht hat, und dies ist ein Hinweis auf die Quelle seines Vermögens. Der Teppich auf dem Boden des Raumes zeigt auch den Reichtum und den Geschmack der Eigentümer des Hauses.

Eine weitere Fehlinterpretation dieses Bildes ist erwähnenswert: Viele glauben, dass die Handlung im Schlafzimmer stattfindet. Im 15. Jahrhundert hatten die Räumlichkeiten der Häuser im Tiefland jedoch keinen klaren Zweck. Die Betten konnten überall stehen, auch in dem Raum, in dem die Gäste empfangen wurden. Die Aufteilung der Kammern in Zeremonienräume, die für Besucher bestimmt waren, und interne Räume erfolgte viel später.

In Portrait of the Arnolfini Couple zeigte sich Van Eyck als Innovator, indem er Ölfarben anstelle der damals üblichen Tempera verwendete. Dank ihnen konnte er einen Strahlungseffekt und einen Farbreichtum erzielen, der mit Tempera unmöglich ist. Der Künstler trug eine durchscheinende Farbschicht auf die vorherige auf, noch bevor sie vollständig trocken war, und erhielt kontinuierliche Striche und weiche Konturen. Diese Schichten leuchten durcheinander und erzeugen unglaublich tiefe, gesättigte Farben, die Illusion eines dreidimensionalen Bildes und verleihen der Oberfläche des Gemäldes einen Emaille-Effekt.

Der zeitgenössische britische Künstler David Hockney stellte mit Unterstützung des amerikanischen Optikspezialisten Charles Falco die Hypothese auf, dass der scharfe Übergang von der mittelalterlichen Vereinfachung der Bilder zum Realismus der Renaissance mit dem Einsatz optischer Instrumente und nicht mit der Entwicklung der Fähigkeiten von Künstlern verbunden ist. Als Bestätigung ihrer Theorie betrachten die Autoren die Arbeit von Jan van Eyck, der ihrer Meinung nach das "Porträt des Arnolfini-Paares" aus der Projektion schrieb, die mit Hilfe eines konkaven Spiegels erhalten wurde. Hockney weist darauf hin Kronleuchter auf dem Bild dargestellt in "idealer Projektion", die ohne Hilfsmittel angeblich nicht zu erreichen ist. Außerdem gibt es unter diesem Fragment keine Vorzeichnung.

Der Stanford-Wissenschaftler David Stork hat jedoch bewiesen, dass die Zeichnung des Kronleuchters fehlerhaft war und ohne Spezialwerkzeug gezeichnet werden kann. Um den gewünschten Effekt zu erzielen, musste Van Eyck außerdem eine Kugel mit einem Durchmesser von etwa zwei Metern nehmen, und zu seiner Zeit wurden solche noch nicht hergestellt.

Längliche Figuren, die in Bezug auf die umgebenden Objekte unverhältnismäßig sind, die Nichtbeachtung der Perspektivregeln und das mangelnde Interesse an der menschlichen Anatomie weisen darauf hin, dass wir ein Bild vor uns haben, das nicht vom Italiener, sondern von der nördlichen Renaissance geprägt ist genaue Reproduktion von Texturen und sorgfältige Ausführung kleinster Details.

Autor: Vlad Maslow
Kommentare