Sign up
1245
Выставки в галереях искусств
320 members 56 topics Administrator: Lyudmila Kulikova
      
      
«Сообщество для представителей творческих профессий - тех, кто умеет видеть и создавать.Делитесь впечатлениями, информацией, публикуйте рецензии на выставки.»
Send a post
Discussions
21 января 2018 года в читальном зале библиотеки им. М. Ломоносова (филиал Хаждэу) открылась выставка работ известного молдавского художника Алексея Афанасьевича Колыбняка.
Выпускник Ленинградской Академии Художеств имени И. Репина, Колыбняк посвятил свою жизнь изобразительному искусству и педагогике. В его творческом арсенале – станковая и книжная графика, участие в отечественных и зарубежных выставках, международные премии, почетные титулы, многолетняя педагогическая деятельность.
Алексей Колыбняк с молодых лет увлекался русской и зарубежной классической литературой. В студенческие годы он общался с поэтами-шестидесятниками, был лично знаком с Иосифом Бродским. Художник отдавал предпочтение искусству русского авангарда, поэзии Серебряного века. К Пушкину он пришел не сразу.По словам самого автора, почувствовать особую притягательность пушкинских строк ему помогло пребывание в селе Михайловском, где он провел три месяца.
Первый сборник произведений Пушкина художник проиллюстрировал в 2006 году, работая с российским издательством «Белые ночи». В издание вошло 40 иллюстраций.
В нынешней экспозиции представлена серия книжных иллюстраций к прозаическим произведениям А. Пушкина: «Повести Белкина», роману «Дубровский», повести «Капитанская дочка».
Перед тем, как приступить к иллюстрациям, художник знакомился с историей появления замысла и создания произведения, кропотливо изучал типажи и характеры пушкинского времени, той эпохи, которую изображал автор.
«Арап Петра великого» – это события, связанные с петровской эпохой, ее образом жизни, традициями.
В романе «Дубровский» нашла отражение романтика стихийного протеста в лице людей из народа и конкретные исторические факты.
Повесть «Капитанская дочка» критики считают вершиной творчества Пушкина-реалиста, сумевшего на фоне семейной драмы показать фрагмент российской истории, связанной с пугачевским движением.
Для прозаических произведений Пушкина характерна строгость форм, завершенность композиции, простой, но в то же время яркий и образный язык.
Органичного родства со стилем писателя помогает достичь стилизованный язык графики. Он несет в себе информационный и эмоционально-чувственный подтекст.
Иллюстратор переводит словесные образы в зрительные. Выбирая определенный момент повествования, событие или выражая общую идею, делает видимым то, о чем рассказывается в тексте.
Первым иллюстратором своих произведений был сам Пушкин. Он оставил множество миниатюрных набросков на полях рукописей с помощью обыкновенного птичьего пера. Иллюстрируя пушкинские произведения, художник также использует тушь и перо.
Чередуя толщину линии, создавая с помощью штриха тень и глубину, контрасты черных пятен туши и белого листа бумаги, иллюстратор выявляет два момента повествования: психологический и описательный.
Иногда художник использует цвет, который выполняет определенную роль. В акварельной иллюстрации к повести «Капитанская дочка» красный цвет кафтана Пугачева, восседающего с саблей наголо на белом коне - это символ величия, силы и достоинства народного героя. Фигуры окружающей людей из толпы не столь заметны и даны в серых монохромных тонах.
«Пиковая дама», «Метель» - произведения, где Пушкин рассуждает о неразгаданной тайне рока, непредвиденных поворотах человеческой судьбы, когда человек невольно подвластен ее фатальной силе. Рисунок иллюстраций к этим произведениям не обведен замыкающим контуром, вливается свободно в плоскость листа. Штрих динамичный, легкий, вихреватый. Вслед за автором-писателем художник вовлекает читателя-зрителя в интригу событий, которые обладают мистической таинственной силой.
В «Барышне-крестьянке» сентиментально-романтический грим наложен не только на характеры главных героев – Лизы и Алексея, но и сюжет. Молодая барышня одевается крестьянкой, чтобы лучше узнать барина, а затем облачается в платье французской аристократки, чтобы не быть им узнанной.
В иллюстрации – сцена встречи Лизы и Алексея в гостиной. С помощью особых приемов графики, легкости линий и акцентных деталей передана кокетливая игра главных героев, беседующих тет-а-тет. Она в их позах, оживленных лицах, движениях рук. Комический эффект усиливается жеманным обликом Лизы, облаченной в помпезное платье французской аристократки, а интрига в том, что она знает Алексея, но он не узнает ее.
Работе над иллюстрациями предшествовал кропотливый труд. Художник работал в архивах, музеях, знакомился с произведениями других иллюстраторов. Ведь эпоха в произведениях Пушкина – не только лица и типажи, но и казачьи кафтаны, седла лошадей, одежда простолюдинов и аристократов, очертания Белогорской крепости, интерьеры и мебель барской гостиной.
Сегодня, когда в оформлении газет, журналов, постеров, создании рекламной продукции и книжных иллюстраций актуальна компьютерная графика, иллюстрации, созданные по старым технологиям, становятся явлением редким.Однако они не теряют ни эстетической ценности, ни приверженцев как среди читателей-зрителей, так и авторов, отдающих предпочтение старой доброй рукотворной графике.
Один из таких авторов - Алексей Колыбняк.




Read more
В выставочных залах Одесского художественного музея открылась выставка работ Татьяны Ниловны Яблонской (1917−2005), приуроченная к 100-летию со дня её рождения.



Её стиль узнаваем, а влияние на развитие украинской живописи трудно переоценить. Сосчитать все музеи, в которых хранятся работы Яблонской, практически невозможно — её произведения украшают собрания не только Украины, но и по всему миру от московской Третьяковки до Музея Дракона на Тайване.

 
В юбилейный год персональные выставки Татьяны Яблонской проходят (или пройдут) во многих украинских музеях, и Одесса не могла остаться в стороне: коллекция Одесского художественного музея хорошо иллюстрирует основные этапы творческого пути всемирно известной художницы.


Наследие Яблонской в собрании музея представлено 15 живописными и 6 графическими работами, и многие из этих произведений к 100-летнему юбилею художницы выставляются впервые.
Гаяне Атаян с мамой, Татьяной Яблонской. 1964-65гг. Фото из архива Гаяне Атаян
Татьяна Яблонская с дочерьми Еленой и Ольгой. 1950е. Фото из архива Гаяне Атаян 



Читайте в материале Артхива: Масштабная ретроспектива работ Татьяны Яблонской в Национальном художественном музее Украины.

Татьяна Яблонская. "Гаяне". 1964


Талант Яблонской проявил себя еще в студенческие годы — первая персональная выставка художницы состоялась в стенах Киевского художественного института в 1940 году. Сейчас эти работы экспонируются в музее Национальной академии изобразительного искусства и архитектуры, но одна из них (академическая постановка «Гуцульская пара») украшает коллекцию Одесского художественного музея. В «Гуцульской паре» прослеживается влияние преподавателя Яблонской, знакового украинского художника Фёдора Григорьевича Кричевского (1879–1947).



В произведениях конца 40-х — начала 50-х Яблонская проводит сопоставление пейзажа и человеческой фигуры. Этот период на выставке представлен картиной 1946 года «Вечер на Днепре». В коллекции музея нет монументальных, обобщающих картин Яблонской, которые принесли ей славу в конце 40-х годов. Но есть этюды — вспомогательный материал, который Яблонская использовала при разработке больших полотен. Эти зарисовки дают нам возможность проследить, как художница готовилась к написанию ее знаменитых картин. Среди них - темпера 1946 года «В парке» (этюдная работа к картине «Над Днепром» (1956, НХМУ)) и рисунок карандашом «Зимой» (этюд к картине «Зимний день в Седневе» (1973, ГРМ)).
Татьяна Яблонская. "На птицеферме" (этюд). 1949





В 1960-е Яблонская кардинально меняет свой стиль в сторону упрощения и декоративности. Художница много путешествует по Украине, часто бывает в Полесье, Закарпатье. Под впечатлением от самобытного народного искусства на протяжении нескольких лет она создает цикл «Украинские мотивы».




Фольклорные традиции повлияли на своеобразный образный строй произведений — отмечается целостность, торжественность ритма, симметричность композиции, звенящая яркость цветовых пятен. В Одесском художественном музее хорошо представлен этот период её творчества. Произведение «Молодожены» 1966 года представляет глубоко традиционные образы жениха и невесты: сочетание силы и твердости мужского характера и застенчивой женственности.
Татьяна Яблонская. "Старая яблоня". 1988

Татьяна Яблонская. "Облетают цветы". 1984

В начале 70-х Яблонская вновь в творческом поиске — большое влияние на нее оказала поездка в Италию и вдумчивое знакомство с искусством Проторенессанса. У художницы открывается второе дыхание, ей вспоминаются довоенные студенческие поиски чудодейственных возможностей живописи. Начинается период этюдов, непосредственного диалога художника с природой.
Татьяна Яблонская. "На косе". 1971

Татьяна Яблонская. "Березы". 1947


Любой, казалось, незначительный мотив художнице удается опоэтизировать, наполнить сложной внутренней жизнью. Посетители выставки смогут увидеть работы «На косе», «Теплый весенний дождик», «Старая яблоня», «В саду» — все эти пейзажи привлекают лиричностью и красотой окружающего нас мира.
Татьяна Яблонская. "После пробега". 1960

Последние годы жизни Татьяны Ниловны были омрачены тяжелой болезнью. Прикованная к инвалидному креслу, она не оставляла дела своей жизни. Напротив, жизненные обстоятельства позволили ей видеть большое в малом, продолжить великий созерцательный путь в творчестве и подтолкнули к применению непривычного для нее материала — пастели. Объектом ее ежедневного созерцания стало окно в кухне, максимой красоты — любой предмет, озаренный солнцем.

 



Выставка "Татьяна Яблонская" в Одесском художественном музее открыта до 1 апреля 2017 года.

Подготовлено по материалам публикаций ОХМ.
Фото с выставки: Ольга Потехина.
Read more
Rita Lozinskaya, 6 March 2017 • Comments  
В феврале-марте 2017 года в Музее современной истории России прошла выставка «Революция. Первый Залп. Иван Владимиров - свидетель непростого времени». Работы живописца реалистической школы, автора цикла документальных зарисовок 1917—1918 годов, - не просто иллюстрации исторических событий. Художник отваживался беспристрастно запечатлевать увиденное, порой - не без своеобразной иронии того же сорта, что и реплики персонажей романов Булгакова.
Иван Владимиров. «Арест царских генералов». 1926

Художник Иван Владимиров запоминается прямой и ничем не приукрашенной манерой передачи реальности, которая его окружала, при том - в ярких красках, что лишь добавляет выразительности сюжетам. Он родился 10 января 1870 года в городке Вильно, где начал свое художественное образование в Виленской рисовальной школе И.П. Трутнева. В 1891 году Владимиров поступил в Петербургскую Академию художеств, которую окончил в 1893 г. по классу батальной живописи. За годы учебы он неоднократно получал малые и большие серебряные медали Академии за работы, связанные с военной тематикой. В этот период на полотнах и рисунках художника - кровавые драмы Кавказской войны. За картину "Перевязочный пункт во время Кавказской войны" Владимиров получил в 1893 году звание классного художника второй степени. 
Иван Владимиров. «На улицах Петрограда». 1918. Собрание Владимира Руги

Продолжая образование, Иван Владимиров едет в Париж, где совершенствуется под руководством известного баталиста Эдуарда Детайля. Вернувшись на родину, он сотрудничает с популярными журналами того времени - "Нивой" и "Огоньком". И вновь, как художник-баталист, он рисует события, происходящие на фронтах войн, которые читатели видят его глазами: русско-японскую, потом болгаро-турецкую, и затем - Первую мировую. В 1906 году Владимиров был арестован за картины „Арест студента" и „Бой на Пресне" и с тех пор был под надзором полиции.  
Иван Владимиров. "Февраль 1917 года". 1917

После Октябрьской революции 1917 года Иван Владимиров остался на родине. Он становится членом Ассоциации художников революционной России. Его работы - очень разные, и очень реалистичные: здесь есть и героические темы, и лики революционных вождей, и неприкрытая правда событий послереволюционного времени. На картинах и в зарисовках Владимирова - очереди за хлебом и взятие Зимнего дворца, погромы в усадьбах помещиков и раскулачивание крестьян, новые хозяева страны Советов в царской ложе и Ленин на митинге. 
Иван Владимиров «Разгром помещичьей усадьбы» 1926
Иван Владимиров. «На посту». 1918. Собрание Владимира Руги

Иногда кажется, что правдивость работ Ивана Владимирова - что называется, на грани фола. Возможно, то, что в его творчестве всегда присутствовали "программные" работы (а он принимал участие во всех основных выставках АХР), отвлекали внимание власть предержащих от других его произведений, повествующих об обратной стороне советской жизни. 
Иван Владимиров. «В театре. Царская ложа». 1918. Собрание Владимира Руги.

"Настоящий художник должен быть правдив" - говорил Иван Владимиров. Благодаря его работам перед нами предстает истинная, без прикрас, история революционных событий.
Иван Владимиров. «Некому защитить». 1921

В самый разгар революции Владимиров работал в Петроградской милиции. Здесь он имел возможность делать зарисовки непосредственно с живой натуры, демонстрируя весьма неприглядные стороны жизни той эпохи.
Иван Владимиров. "За власть Советов!" 1917-18гг. Собрание Владимира Руги

На выставке в Музее современной истории России было представлено более 50 живописных и графических произведений Ивана Владимирова, созданных им в первой половине XX века, из собрания музея и частной коллекции Владимира Руги. Выставка «Революция. Первый Залп. Иван Владимиров - свидетель непростого времени» работала с 10 февраля по 12 марта 2017 года.

Иван Владимиров. «Мордобой на пляже – культурное достижение по спорту!». 1930-е
Собрание Владимира Руги


 Иван Владимиров. «У рояля». 1930-е

Иван Владимиров. «Фотограф в деревне». 1918


Иван Владимиров. «За знакомство!». 1925


Иван Владимиров. «Гранд-отель «Европа». 1923


Иван Владимиров. «Гуляние». 1920-е


Иван Владимиров. «Игра в карты». 1922


Иван Владимиров. «Бегство буржуазии из Новороссийска». 1926


Иван Владимиров. «В пивной «Старая Бавария»». 1920-е


Иван Владимиров. «За чтением газеты «Правда». 1923


Иван Владимиров. «Галантный кавалер». 1923


Иван Владимиров. «Субботник». 1923

Иван Владимиров. «Прошлое сдаем в утиль». 1930

Иван Владимиров. «Трактор в деревне». 1925

Больше работ Ивана Владимирова - здесь.

Подготовлено по материалам Музея современной истории России и сайта mk.ru.
Read more
Выставочный проект «Дмитрий Иконников. Полёт в восходящем потоке» проходит в галерее ARTSTORY. Центральная часть экспозиции -произведения, созданные художником за последние два года; многие из них были подготовлены специально к этой персональной выставке. Большой блок представляет живопись художника середины 1990-х – начала 2000 гг.


Дмитрий Иконников родился 31 января 1952 года в Мурманске. После окончания средней школы работал художником-исполнителем в монументальном цехе Московского областного комбината художественных работ. В 1972-76 годах учился в Московском государственном педагогическом институте им. В.И. Ленина на художественно-графическом факультете, затем окончил Московский государственный художественный институт им. В.И. Сурикова в 1981 году.


Свои сложносочинённые, метафорические образы живописи и прозы автор объединяет новым названием, новой идеей. «Полёт в восходящем потоке» – отнюдь не только отношение к последним работам, это «общий принцип проживания жизни».


Об идее выставки и о своём жизненном принципе художник Дмитрий Иконников говорит так: «Пока ты можешь ощущать этот полёт, ты живёшь. Это состояние творчества, подъёма души. Как только я перестану летать – я умру… Так случилось, что болезнь трижды пыталась оторвать меня от жизни. И это ощущение прерванного полёта – самое страшное в моей жизни. Умирать не страшно. Страшно жить с ощущением, что никогда больше не войдёшь в этот поток. Но мне повезло. Сейчас мне 65. И я всё ещё в восходящем потоке…».


В рамках проекта публике представили необычную книгу, включающая не только изобразительный ряд, но и интересные литературные тексты, заметки, стихи Иконникова. Как говорит сам автор: «Это записки про жизнь, про работу, про всё впечатления, которые есть и остаются у меня в памяти, и где всё абсолютно взаимосвязано».



Выставочный проект «Дмитрий Иконников. Полёт в восходящем потоке в галерее ARTSTORY
продлится до 19 марта 2017.



Иллюстрации: страница галереи ARTSTORY в соцсети Фейсбук.
Фото с выставки: Игорь Дрёмин
Read more
Rita Lozinskaya, 28 February 2017 • Comments  
Проект Первой международной Antarctic Biennale, которая пройдёт в марте 2017 года под патронажем ЮНЕСКО, уже представлен широкой публике. Мероприятие прошло в Государственном музее изящных искусств им. Пушкина.


Проект Antarctic Biennale основан художником Александром Пономарёвым. Идея провести самую необычную биеннале в истории родилась у художника более 10 лет назад во время его первых экспедиций в Антарктиду. Теперь, благодаря всесторонней поддержке друзей, соратников и партнёров проекта, авторский замысел обретает реальные черты. И уже 17 марта 2017 года, на борту научно-исследовательского судна «Академик Сергей Вавилов», около ста человек со всего мира – художники, архитекторы, исследователи, писатели, философы - отправляются в творческое плавание к берегам самого южного континента Земли. 
Директор ГМИИ им.Пушкина Марина Лошак на презентации Antarctic Biennale

На время путешествия борт флагмана Российского научного флота превратится в пространство чистого искусства, безграничной творческой свободы. Реализация художественных проектов запланирована во время высадок на ледяных берегах континента, в океанических водах, воздушном пространстве Антарктиды, а также на борту корабля. В программе биеннале – исследовательские сессии, поэтические и философские дискуссии, видео-арт программа.
Автор проекта Antarctic Biennale художник Александр Пономарёв

Проекты I Antarctic Biennale будут создавать художники из Японии, Германии, Китая, Аргентины, Испании, Марокко, Великобритании и других стран. Среди главных условий реализации объектов на Белом континенте не только художественная ценность, но и строгое соблюдение экологических требований к осуществлению деятельности в Антарктике. От России в Биеннале примет участие победитель Премии Кандинского 2016 Андрей Кузькин, который на вечере в ГМИИ продемонстрировал свой знаменитый перфоманс с превращением обыденных бытовых предметов в произведения искусства.


Результаты экспедиции, как пояснила собравшимся директор Antarctic Biennale Анна Швец, объекты, созданные в области Южного полярного круга, а также фото- и видеодокументации этого путешествия – будут впервые представлены в Павильоне Антарктиды во время 57-й Венецианской биеннале современного искусства в мае текущего года.


В экспозицию групповой выставки войдут как работы, выполненные участниками плавания, так и проекты финалистов международного конкурса молодых художников Antarctic Biennale, результаты которого были объявлены во время проведения ярмарки современного искусства Art Basel Miami Beach 2016. По
итогам путешествия планируется выпуск ряда документальных фильмов, телевизионных художественных программ, издание иллюстрированных книг и фотоальбомов. Художественные произведения, созданные во льдах Антарктиды, будут экспонироваться на ведущих выставочных площадках и в музеях мира.

Подготовлено по материалам antarcticbiennale.com
Read more
Скандально известный музыкант Сергей Шнуров в 2007 году ввел в обиход новое понятие - брендреализм. По мнению певца и художника, брендреализм — направление в искусстве, предметом которого являются не реальные объекты, а структура реальности, в которой они находятся. Нынешняя ретроспектива Шнурова в "Эрарте" отмечает десятилетие этого направления.

Брендреализм выбирает критическое отношение и к искусству, и к бренд-маркам как таковым, порожденным реалиями рекламных технологий. Сложившиеся сегодня упрощенные общественные клише он критикует как несостоятельные.

Согласно постулатам брендреализма, человек XXI века окружен не чистыми явлениями, а лишь продуктами-брендами, сгенерированными искусственно. Он одевается в бренды, питается брендами, передвигается на брендах. Сам того не замечая, он выбирает их объектами своего поклонения. Последняя модель модной марки становится предметом эмоционального вожделения, как священная книга или внеземной сан, а сами эмоции давно утратили непосредственность.

Как считает Сергей Шнуров, жизнь перестала быть экзистенциальной проблемой. Сегодняшний человек идентифицирует с брендами не только успешность и благосостояние, но и все основные устремления своей жизни. Выбирая в начале жизни между «Кока-колой» и «Пепси-колой», а в конце между «Роллс-Ройсом» и «Бентли», человек блуждает в зеркальном лабиринте, принимая искаженные отражения за реальность. Бог не выйдет из бутика!

Брендреализм борется с рассеянностью сознания. Искусство брендреализма не должно быть красивым; не должно нести ни добра, ни зла; не обязано быть парадоксальным; не претендует на изысканную ироничность. Оно свободно как природа и созидающий человеческий дух, для которого заранее смешон любой надутый серьезностью постулат, а нечто, кажущееся полной чушью, вдруг может быть осмыслено как до предела серьезное.

Сергей Шнуров признает, что далеко не все из множества созданных им за последнее десятилетие инсталляций он сделал собственноручно. У певца есть трое помощников, которые участвуют в воплощениях идей своего "звездного" идеолога. Можно сказать, что живопись Шнурова — это очередной его проект, и довольно успешный.

Выставка Сергея Шнурова "Ретроспектива брендреализма" в музее "Эрарта"
работает до 9 апреля 2017 года

При подготовке использованы материалы и фото музея "Эрарта".
Read more
Rita Lozinskaya, 17 February 2017 • Comments  
До 26 февраля 2017 года в московской галерее "Арка" проходит выставка Люси Вороновой «Зимний сад».  

При всех аналогиях, сравнениях и сопоставлениях работ Люси Вороновой с наследием знаменитых «классиков» (от Сезанна до Руссо и Пиросмани), ее картины отражают собственную точку зрения художницы. Она осознанно сформировала свой стиль, которому следует многие годы, и, как итог - ее яркие, узнаваемые работы стали популярны, причем не только в среде ценителей современного искусства и коллекционеров. Критики также благосклонны к ее творчеству: рядом с именем Люси Вороновой нередко увидишь фразы вроде «художник первого ряда», «уникальное явление». А то и просто: «Люся пишет праздник».

Несмотря на то, что работы Люси Вороновой можно назвать наивным искусством, она отнюдь не самоучка: ее творчество выстроено на крепкой технической базе и профессиональном художественном образовании.
Люся (Людмила Владимировна) Воронова родилась в Москве 15 декабря 1953 года. В 1969-70 гг училась в ЗНУИ, мастерская Бориса Отарова. 1971-72гг - занятия в художественной студии Нугзара Мгалоблишвили. 1972-78гг - учёба на художественном факультете МТИ.

Художница участвует в выставках с 1978 года, на ее счету - более 50 персональных выставок. В 2013 году стала почетным членом Российской Академии художеств.

Работы художницы представлены в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Музее современного искусства (Москва), в региональных музеях России, а также в европейских, американских и китайских музейных коллекциях, престижных частных собраниях.
Read more
Rita Lozinskaya, 3 February 2017 • Comments  
10 февраля 2017 в киевском Музее Леси Украинки (Саксаганского, 97) откроется выставка работ художников, которые принимали участие в работе над кинолентой "LovingVincent". Это первая в мире анимационная кинолента хронометражем 88 минут и стоимостью 5 млн евро, посвященная художнику.

"С любовью, Винсент" - далеко не первый фильм о Ван Гоге, однако это действительно первая анимационная лента, где все кадры были нарисованы художниками: заявки были поданы 5000 людьми, а "прошел" конкурсный отбор каждый 45 претендент. Над фильмом работали 115 художников из 18 стран, в том числе 13 художников из Украины. В проекте, который развернется в Музее Леси Украинки, будут представлены творческие работы, которые посвящены теме картины "С любовью, Винсент", однако не являются кадрами из фильма. 

Посетители увидят работы художников Анастасии Бонишко, Виталия Мурина, Екатерины Очередько, Татьяны Очередько, Марины Савченко, Марии Шепеленко, Елены Горголь, Светланы Гаврищук, Юлии Решетник, Ярослава Свирняка, Александра Башинского. Кропотливо, кадр за кадром, современные мастера воссоздали два мира, в которых жил автор этих холстов: реальность и живопись. 

Подробно о фильме "С любовью, Винсент" читайте в нашем большом обзоре, посвященном этой анимационной ленте.

Всего же украинцы создали более 9000 кадров из 65000 - это 13 минут экранного времени. В основу разработок кадров фильма брали оригинальные изображения картин Винсента Ван Гога: интерьеры, персонажи, локации. Как результат – 94 авторских, но очень близких по стилистике полотен Ван Гога, и 31 - в которых частично использован работы маэстро.

Открытие выставки "Поиск. Ван Гог. Реминисценция" - 10 февраля 2017 года, начало в 17:00.
Read more
Нынешней зимой петербуржцам и гостям Северной Пальмиры выпала уникальная возможность увидеть редко экспонируемые работы одного из крупнейших советских живописцев, Исаака Израилевича Бродского (1883-1939). В Музее-квартире художника на площади Искусств, 3, представлены как ранние акварели, написанные во время заграничных командировок во Францию и Италию, так и более поздние, проникновенные пейзажи, изображающие разные времена года, а также великолепные живописные и графические портреты. Мемориальные фотографии позволяют окунуться в атмосферу времен жизни и творчества мастера.

Исаак Бродский - блестящий профессионал, получивший образование в Петербургской Академии художеств. Один из лучших учеников великого Ильи Репина, он широко прославился портретами и картинами, изображающими вождей социализма.  В 1930-е годы Бродский возглавил Всероссийскую Академию художеств, последовательно и решительно добивался возрождения традиций старой Академии. Как педагог, он воспитал многих известных мастеров советского искусства. Художник создал несколько монументальных полотен, связанных с революционной историей страны, огромное количество заказных портретов партийной элиты и завоевал себе статус главного художника советской России.

Однако это далеко не главное в творчестве художника: Бродский является автором лирических пейзажей, отличающихся неповторимым «ажурным» стилем и тонкой музыкальностью, создателем многочисленных прекрасных портретов. В этом посетители выставки могут убедиться воочию. Работы из частных собраний выставляются очень редко; таким образом, выставка позволяет познакомиться с нехрестоматийной стороной творчества знаменитого мастера.

Выставка "Исаак Бродский. Живопись и графика из частных собраний"
организована галереей искусств KGallery  и будет открыта для публики
в Музее-квартире Исаака Бродского до 22 января 2017 года.


Read more
Выставка художественной Группы Восьми (Лестница), отмечающей свое творческое 40-летие, проходит в эти дни в Музее искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков. Составленная из произведений музейных собраний, частных коллекций Санкт-Петербурга и мастерских художников, экспозиция представляет искусство восьми авторов — очень разных по мировоззрению, стилистической манере, широте жанрового и эмоционального диапазона.

Группа сложилась в 1975 году, в период острого противостояния официального Союза художников, пропагандировавшего достижения социалистического реализма, и мастеров, которые составляли левый блок Ленинградского отделения Союза художников. Она объединила в своих рядах художников, работающих в разных видах искусства — (живописцев, графиков, скульпторов, мастеров декоративно-прикладного искусства), но близких друг другу по духу. 

В Группу Восьми, она же Лестница, вошли Семён Белый (1938-2010), Анатолий Громов (род.1941), Любовь Добашина (род.1943), Владимир Долгополов (1938-1999), Анатолий Заславский (род.1939), Николай Кошельков (1934-1995), Лев Ланец (1941-2004), Валерий Мишин (род.1939), а также керамист Григорий Капелян (вышел в 1977 году в связи с отъездом в США) и Александр Совлачков (вышел в 1981).

Соединяя в своем искусстве романтику оттепели с приемами авангарда, художники Группы Восьми сыграли ведущую роль в трансформации культурного пространства того времени. Богатый и разнообразный материал, представленный в экспозиционном пространстве музея, дает возможность не только познакомиться с историей развития группы, но и проследить ее творческое движение. Экспозиция позволяет зрителю прочувствовать художественную атмосферу жизни целой эпохи, изобразительную эстетику четырех сменяющих друг друга десятилетий.

Совместные выставки Группы Восьми всегда будоражили интерес публики, волновали воображение, наполняли воздух ощущением художественной свободы. Нынешняя - не исключение. Экспозиция Музее искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков работает до 11 декабря 2016 года.

Иллюстрации к материалу: 
Анатотлий Заславский, "Пять углов"
Анатолий Заславский, "Нечетная сторона БольшогоПроспекта". 2014
Валерий Мишин, "Джакомерон" 1993
Лев Ланец, "Двое". 1970

При подготовке использован пресс-релиз МИСП.
Read more
Rita Lozinskaya, 1 December 2016 • Comments  
Show more discussions
HELP