Sign up
0
 
Tatyana
Moscow, 42 years old
8 communities0 mutual
Сокровища региональных музеев
233 members, 6 topics
Продажа картин
950 members, 171 topics
Артхив: блог проекта
450 members, 56 topics
Арт-приколы
460 members, 102 topics
Картины и художники в кино
535 members, 78 topics
Загадки знаменитых картин
439 members, 6 topics
Tatyana
liked the publication

To post comments log in or sign up.
Write comments
Discuss user publications and actions. Add the required photos, videos or sound files to comments.
Tatyana
liked the publication


Saveliy Kamskiy
, September 24 01:44 AM 1
Original   Auto-Translated
Думаю, очень полезный материал. Спасибо!
To post comments log in or sign up.
Original   Auto-Translated

Фильм французского режиссера Лорена де Бартилья «Тайна Антуана Ватто» – совсем не биография. Здесь нет персонажа по имени Антуан Ватто. И действие происходит не на рубеже XVII-XVIII столетий, когда жил художник, а в начале нашего века. Главная героиня фильма – студентка факультета истории искусства Люси Одебер. Она специализируется на творчестве Ватто и в своей курсовой пытается доказать факт влюблённости художника в актрису Шарлотту Демар. Гипотеза зыбкая, основанная скорее на интуиции Люси, чем на фактах. Скончавшийся в 37 лет от чахотки, Ватто не был женат, а о его романах известно мало. Но почти на каждой картине Ватто присутствует загадочная женщина, повернутая к зрителю спиной. Люси воспринимает это как завуалированное любовное признание. Но её руководитель профессор Дюссар, посвятивший всю жизнь изучению Ватто, знает: документально подтвердить эти догадки нечем. Люси придётся предпринять немало авантюрных шагов и многое поставить на карту, чтобы заполучить утраченную картину гения рококо, которая докажет правильность её предположений и догадок.

Антуан Ватто. Две кузины
Две кузины
1716, 30.5×36 см


Как фильм назывался на самом деле?

Одна из ключевых сцен фильма – визит Люси Одебер к профессору Дюссару. Старый скептик-искусстовед пытается научить Люси видеть, что написано на полотне. Не фантазировать, не вычитывать в тысяче источников разной степени достоверности, а – видеть самой.

В профессорском ноутбуке герои рассматривают картину «Жиль» - одно из самых известных произведений Ватто, изображающее грустного клоуна.

Антуан Ватто. Жиль
Жиль
1719, 184.5×149.5 см


– Что вы видите? – спрашивает Дюссар.
– Это «Жиль» из Лувра.
– Что вы видите?
– Предполагается, что здесь изображён Пьер ля Турьер, актёр Комеди Франсез.
– Проще! Что вы видите?
– Впечатление, что это – ряженый под Пьеро.
– Уже лучше. А почему возникает такое впечатление?
– Об этом мне говорят его глаза. Руки. И взгляд… Взгляд осла.
– И что же вам говорит осёл?
– Он тоже носит наряд. Наряд осла. В его взгляде есть такая… человечность. Но почему он так печален? Потому что его никто не слышит. Он одинок.
– И чей же это взгляд, который смотрит только на вас, Люси?
– Взгляд художника! Потому что осёл видит всех, а его не замечает никто...



Для пытливого зрителя это сцена - хороший тренинг: а что видим на картине мы? Чем объясняем для себя печаль грустного клоуна? Замечали ли мы на этом известнейшем луврском полотне осла до того, как нам на него специально указали?.. Теперь понятнее, почему в оригинале фильм называется вовсе не «Тайна Антуана Ватто», а Ce que mes yeux ont vu – «Что видели мои глаза».

Кому будет интересно?

Фильм «Тайна Антуана Ватто» предполагает, что у вас уже есть хотя бы минимальные представления об искусстве эпохи рококо
Рококо называют самым легкомысленным и бездумным из всех стилей в искусстве. Почему тогда рококо столь значимо для русской изобразительной культуры? Почему определение от слова «рококо» звучит для нашего уха так экзотически – «рокайльный»? В чем основное различие рококо и барокко, которые люди малосведущие часто путают? Наконец, почему рококо – это прямой и непосредственный предок современной глянцевой культуры? Обо всем этом пойдёт речь ниже. Читать дальше
, в противном случен он может показаться недостаточно динамичным и недостаточно внятным. Зато он меланхоличный и атмосферный – как, собственно, и само творчество Ватто.

To post comments log in or sign up.
Tatyana
liked the publication


Evgeniya Khapalova
, September 6 06:45 AM 1
Original   Auto-Translated
Добрый день, Анна Сидельникова. Спасибо за интересную статью
Anna Sidelnikova
, September 6 03:57 PM 0
Original   Auto-Translated
Евгения, спасибо!
To post comments log in or sign up.
    Его называли Брейгель Мужицкий, а еще - Питер-шутник. Весь 2019 год проходит под знаком 450-летней годовщины со дня смерти великого нидерландца Питера Брейгеля Старшего. Мастер покинул этот мир 9 сентября 1569 года. Все о Брейгеле и его творчестве — в специальном тематическом разделе Артхива.
    Заветный алтарь «Святая Екатерина» (или «Ангел предсказывает святой Екатерине Александрийской её мученичество») Якопо Тинторетто , принадлежавший Дэвиду Боуи, вернулся в Венецию спустя более 200 лет. Это произошло благодаря бельгийскому любителю искусства Марниксу Нерману, который приобрёл картину в 2016 году на посмертной распродаже коллекции культового певца и актёра.
    Original   Auto-Translated

    Художественных фильмов об импрессионистах – раз-два и обчелся. Ранние семьи, дети, работа, безденежье, снова работа, позднее признание и все равно усердная работа – их жизни не очень щедры на скандалы и личные трагедии. В 2012 году во Франции сразу два режиссера решили продемонстрировать, что даже тихие импрессионистские биографии могут стать основой размеренного колоритного костюмного кино: Жиль Бурдо снял «Ренуар. Последняя любовь», а Каролин Шампетье – фильм «Берта Моризо».


    Мане и так далее
    Назвать фильм «Берта Моризо и Эдуар Мане» было бы честнее – эта история охватывает период всего в 10 лет: начинается в 1865 году, когда Моризо впервые видит «Олимпию» Эдуара Мане на открытии Салона, а заканчивается, когда в 1874 она позирует для последнего портрета, на котором Мане ее изобразил. Между этими событиями – мучительный платонический роман и творческие поиски, в которых эти двое ощутимо друг друга спасали и вдохновляли.

    Большинство лучших своих работ (в том числе знаменитую картину «После обеда», установившую ценовой рекорд для работ женщин-художниц в 2013 году) Берта Моризо написала уже позже, когда вышла замуж и родила дочь. Но как раз этот период остался за кадром. Мы не увидим счастливую, состоявшуюся художницу, которую поддерживает муж (он, кстати, был братом  Эдуара Мане), которая нашла мощное вдохновение в повседневных играх дочери, к которой были благосклонны критики, которая новую импрессионистскую манеру письма использовала со смелостью, граничащей с бунтом. Зрителю, который не знаком с жизнью художницы, может показаться, что за финальными титрами ее жизнь потечет по руслу, которое веками прокладывалось другими женщинами. В фильме даже можно рассмотреть подсказку: вот сейчас она выйдет замуж, нарожает детей – и забросит живопись, как это сделали ее мать и сестра.


    Люди в костюмах
    Здесь достаточно наивных и традиционных для костюмных фильмов приемов и сцен: вот сестры смеются и бегут по берегу, подобрав пышные юбки, вот солдаты во время блокады Парижа упитанны и одеты во все чистое. Зато фильм хочется сильно хвалить за кастинг актеров на главные роли и за убедительные темпераменты обоих. Роль Берты Моризо исполнила Марин Дельтерм, актриса, модель и скульптор – и она удивительным образом больше похожа на ту прекрасную и недоступную Берту Моризо, которую написал Эдуар Мане на десятках картин, а не на ту, которую сохранили черно-белые фотографии. Малик Зиди в роли темпераментного денди Мане похож скорее не на те суровые бородатые портреты, которые писали Дега или Каролюс-Дюран, а на взбалмошного, учтивого, веселого, беззаботного, любвеобильного «вождя импрессионистов», образ которого сохранили воспоминания друзей и коллег. На него невозможно долго обижаться, в него невозможно не влюбляться.


    С историей отношений Моризо и Мане сценарист и режиссер обходятся крайне бережно: вы не дождетесь здесь даже поцелуя. Зато поймете, почему так часто натурщицы становились любовницами и женами художников: сеансы позирования – это какой-то запредельный уровень близости.

    To post comments log in or sign up.
    Original   Auto-Translated
    Романтизм
    Романтизм пришел на смену строгому классицизму в живописи и принес новый багаж: переживания, волнения, краски, и особую выразительность. Нередко стиль романтизма путают с «романтическими» образами в живописи и пасторальными сценами. Но в фокусе внимания творцов всех жанров конца XVIII - начала XIX в.в. от музыки до живописи – личность со всеми переживаниями и богатым внутренним миром. Читать дальше
    и реализм как новаторство в живописи С.Щедрина
    Картина Сильвестра Феодосиевича Щедрина (1791-1830), называется «Озеро Альбано» в окрестностях Рима, написанная в 1825 году. Место создания – пригород Рима.
    Историю замысла и выбор модели для этой картины можно анализировать в рамках общих творческих интересов и устремлений автора и этапа его развития как художника.
    Сильвестр Феодосиевич Щедрин, русский художник, воспитанный в традициях классической живописи, проживающий в Италии, в Риме, к 1825 уже отчетливо следовал новым прогрессивны течениям в искусстве Италии тех лет – реализму и романтизму. Выбор модели передает красоту реальной природы, ее яркие и приглашающие краски, безмятежность этого как будто манящего прогуляться или посидеть у воды пейзажа. Моделью для этой картины выступают окрестности озера Альбано, написанные в романтически искристых серо-голубых и зеленых тонах, характерных для манеры письма автора тех лет.
    Картина относится к, так называемому, Золотому веку русского искусства 19 столетия, несмотря на то, что была написала в художником в Италии. Картина написана в классическом стиле, в духе пейзажного романтизма. Считается, что живопись С. Щедрина продолжает традиции одного из французских художников истоков классицизма Клода Лоррена (1600 – 1682). А некоторые из исследователей относят работы Щедрина к предтечам «барбизонской школы» - которая во всей полноте воплотила идеалы реализма, где пейзаж
    Развитие жанра от древности до наших дней: как религия и изобретение техники масляной живописи способствовали становлению жанра в Европе и почему так важна река Гудзон? Читать дальше
    становится полноценной моделью картины вместе с простыми людьми, занятыми трудом. К последователям художника в реалистическом романтизме пейзажного искусства относят И. К. Айвазовского и А.И. Куинджи. Айвазовский не раз говорил, что учился на пейзажах Щедрина.
    Автор традиционно использовал масляные краски для своих картин.
    Жанр картины - это пейзажная панорама.
    Картина написана в жанре пейзаж
    Развитие жанра от древности до наших дней: как религия и изобретение техники масляной живописи способствовали становлению жанра в Европе и почему так важна река Гудзон? Читать дальше
    или пейзажная панорама в характерном для художника стиле времени его жизни в Италии. Ее можно отнести к завершающему периоду формирования индивидуальной манеры письма художника - перехода в его картинах от теплых и темно коричневых тонов, характерных для периода творчества в Академии и российского классицизма 19 века, к светлым и холодным тонам и колориту пейзажной живописи в Италии. Щедрин улучшал и тренировал этот стиль в каждой следующей картине, которую писал, а также на многочисленных пленэрах.
    Картина написана больше в живописном стиле, чем в линейном. Очертания предметов создаются с помощью передачи красками неуловимого движения и непостижимости пространства.
    Цвета переданы в зелено-голубой и серой гамме с оттенками теплого колорита желтого солнечного цвета на воде и деревьях. Мягкие оттенки зеленого на вершинах гор, покрытых серовато-белесыми пятнами дымки теплого дня приглашают прогуляться в эти горы.
    На картине пейзаж
    Развитие жанра от древности до наших дней: как религия и изобретение техники масляной живописи способствовали становлению жанра в Европе и почему так важна река Гудзон? Читать дальше
    становится главным героем и моделью художника. Мы наблюдаем живые и реалистичные очертания природы, отличные от тех классических канонов, которые еще были характерны для России тех лет.
    Живописные группы простых людей, изображенные на переднем плане пейзажа, ставят в центр внимания обычную жизнь с ее течением и обычного человека, что отражает интерес художника не только к застывшим идеальным формам классического жанра.
    Художественное пространство представлено в виде неравно заполненных частей картины, смещение центра восприятия и акцентов приходится традиционно для художника на одну из частей полотна.
    Расположением главных героев картины – аллеи с путниками и озера по диагонали за ними погружает зрителя в глубину полотна, приглашая заглянуть на тот берег озера и далее к вершинам гор. Создается впечатление, что озеро накрыто куполом из деревьев, как балдахином, что дополнительно создает впечатление алькова, уютного, домашнего и умиротворяющего места, где можно приклонить колени и голову.
    Все краски в сочетании наполняют картину пространством света и воздуха. Возникает ощущение, что теплый воздух создает мерцание, что делает картину отдаленно похожей на прекрасный мираж.
    Деревья, озеро с очертаниями берегов и гор, дорожки и люди нарисованы в живых и умиротворенных позах. В поднятом лице мальчика к своему, возможно, наставнику или отцу в сочетании с солнечным днем и умироворенностью пейзажа окутывает зрителей мудростью природы и простых человеческих занятий – разговора, прогулки, наполненных глубинным смыслом и мудростью реальной жизни.
    Основное интригой данного произведения, как и других работ автора периода его жизни в Италии можно назвать то эмоциональное послание, которое могут нести зрителю расположение кругов света на полотне. Возможно, здесь зашифровано отношение Щедрина к женщинам и иллюстрация символики мужского и женского.
    Сильвестр Щедрин родился 2 февраля (13 февраля по новому стилю) в семье известного скульптора-классициста Феодосия Федоровича Щедрина, племянника крупного пейзажиста того времени Семена Федоровича Щедрина, ректора Петербургской Академии Художеств. На выбор мальчиком профессии решающее влияние оказал его дядя - знаменитый пейзажист, профессор Семен Федорович Щедрин, который руководил в академии пейзажным классом. В 1800 г. он поступил в пейзажный класс Академии художеств, где наставниками юноши стали М. М. Иванов, Ф. Я. Алексеев и Т. де Томон. Он окончил ИАХ с большой золотой медалью в 1812 году и получил пенсию ИАХ в Италии, но из-за войны с Наполеоном смог выехать за границу лишь в 1818 году. Жил в Риме, работал по заказам путешествующих русских аристократов. В 1825 переехал в Неаполь, где прожил до конца жизни. Славу художнику принесли пейзажи Неаполя и его окрестностей. Щедрин одним из первых вместе с Брюлловым в русском искусстве обратился к возможностям пленэра, определив тем самым художественные поиски мастеров будущих поколений.
    Большое влияние на живопись С.Щедрина оказали пейзажи Клода Лоррена итальянского живописца 17 века. Например, пейзаж
    Развитие жанра от древности до наших дней: как религия и изобретение техники масляной живописи способствовали становлению жанра в Европе и почему так важна река Гудзон? Читать дальше
    «Отплытие царицы Савской». Всего художник написал 108 работ, 47 из которых посвящены видам Неаполя – его любимого города.
    Одним из первых ранних пейзажей живописца стало полотно «Александр I у Шафгаузенского водопада». На картине изображена встреча императора со своей сестрой, которая состоялась в маленьком швейцарском городке Шафгаузене. Поскольку молодой художник никогда не бывал в Швейцарии, при работе ему пришлось использовать гравюры с видами Рейнского водопада в Шафгаузене. Главных персонажей картины, Александра I и его сестру Екатерину Павловну, Щедрин писал с их портретов.
    В России допетровского времени пейзажа как свободной и независимой жанровой живописи не было, а появился он в XVIII веке с видом Петербурга и новых загородных императорских дворцов в Царском Селе, Павловске и Гатчине. В направлении творчества видятся парки и сады усадеб. Своей декоративностью, статичностью композиций и верховенством коричневых, в пейзажах не чувствуется неповторимого восприятия природы. Тогдашняя мода приживалась трудно, поэтому такие полотна писались для украшений резиденций и интерьера особняков, где преследовалась единственная цель - следовать «стандартам». Но уже на рубеже веков, в эпоху романтизма, начинается настоящий подъем пейзажной живописи. Свобода самовыражения, искренность, естественность и раскованность нашли полное свое выражение в творчестве Пушкина, Кипренского, Байрона, Шопена - и Сильвестра Щедрина. Романтизм
    Романтизм пришел на смену строгому классицизму в живописи и принес новый багаж: переживания, волнения, краски, и особую выразительность. Нередко стиль романтизма путают с «романтическими» образами в живописи и пасторальными сценами. Но в фокусе внимания творцов всех жанров конца XVIII - начала XIX в.в. от музыки до живописи – личность со всеми переживаниями и богатым внутренним миром. Читать дальше
    наилучшим образом проявляется как и в музыке, в поэзии, так и в живописи, - передавая внутренний мир переживаний человека. Некоторые исследователи сравнивают творчество Щедрина и Кипренского, как очень похожих.
    Щедрин безусловно был новатором. Его смелость и искренность как художника, выражается в его интересе к природе как таковой, без прикрас, что отличало его манеру от пейзажей эпохи классицизма и романтизма. В это время по канонам было принято придавать элементам природы более близкие к идеальным и красивые черты, чем можно было наблюдать в реальности. На итальянских полотнах мастера мы видим реалистичные и точные пейзажи местности Рима, Неаполя и их окрестностей, точно передающие очертания изображаемых мест.
    Его интерес к простым людям отразился и на полотнах художника во время его жизни в Италии. Именно Щедрин начал изображать простых людей и даже нищих на своих полотнах. Люди стали живыми и колоритными персонажами его работ. Он изменил традицию классицизма изображать людей в качестве безликого стаффажа для сюжета картины.
    Известно, что страстью Щедрина был театр. Его восхищало творчество писательницы и хозяйки литературного салона Зинаиды Волконской. Живописец, как и многие другие фигуры светского общества, любил посещать "волшебный замок музыкальной феи", а в период своей жизни в Италии являлся постоянным гостем при постановке домашних спектаклей у "царицы муз и красоты".
    Эта картина создает настроение теплого счастья и безмятежности солнечного дня, переданных серебристыми, зелеными и голубыми тонами. Сочетание искренности и прозрачного, ясного колорита пейзажной панорамы озера Альбано в окрестностях Рима.
    Литература:
    aramill_stells интернет – Живой журнал
    Журнал 50 художников. Шедевры русской живописи. Щедрин. 22 номер 2011 год
    Светлана Усачева. Сильвестр Семенович Щедрин
    Из коллекции В. А. Кокорева – купца, продавшего свою коллекцию В марте 1870 года принадлежавшие ему 156 работ русской школы живописи были приобретены для коллекции государя наследника цесаревича Александра Александровича. В 1897 году, при организации Русского музея Императора Александра III, в его собрание были переданы 106 первоклассных произведений живописи, некогда украшавших галерею Кокорева. Впоследствии в экспозицию музея попали и другие работы из его коллекции, не купленные в свое время для цесаревича Александра Александровича. В 1920–1930-е годы значительная часть этих работ была выдана на постоянное хранение в разные музеи СССР, однако ядро коллекции Кокорева осталось в Русском музее.
    To post comments log in or sign up.
    Original   Auto-Translated
    Симон Вуэ. Плодовитость и масштаб во всем
    Картина Симона Вуэ «Святой Иероним и ангел», написанная в Риме с 1622 по 1625 год. Размеры: Холст, масло, 144.8 x 179.8 см.
    Картина находится в Национальной галерее искусства в Вашингтоне, США.
    С момента написания картина хранилась у римского кардинала Барберини и далее в семье у его наследников. Кто был заказчиком картины, неизвестно. Кардинал мог приобрести ее в любой период времени 17 века уже после написания. Наследники продали ее Samuel Henry Kress. Картина была подарена музею из коллекции Samuel Henry Kressa – американского бизнесмена и коллекционера в 1956 или в 1961 году (1863 по 1955 годы). Он был основателем крупной сети магазинов товаров по 5 и 10 центов и коллекционером. За свою жизнь Кресс собрал одну из самых больших коллекций предметов искусства Итальянского Возрождения и европейского искусства в 20м веке. Между 50ми и 60ми годами 20го века Кресс основал фонд и подарил 776 работ 18ти музеям Соединенных Штатов. Работа Симона Вуэ оказалась в Национальной Галерее Вашингтона.
    Годы жизни художника - 9 января 1590, Париж — 30 июня 1649, Париж.
    Французский художник Симон Вуэ стоит в одном ряду с такими мастерами, как Николя Пуссен, Клод Лоррен, Шарль Лебрен и Жорж де Ла Тур среди живописцев 17 века. Судьба его популярности была изменчива. Большая часть его работ хранится в Лувре и других крупных музеях мира.
    Художник считается классиком французской живописи. Он был очень популярен при жизни и в течение 2х столетий после смерти. Потом был обесценен и забыт, но в начале XXго века cнова приобрел известность на собственной выставке.
    Cимон Вуэ - живописец-монументалист, портретист и декоратор. Он писал портреты и картины исторического, религиозного и аллегорического содержания. Среди его работ есть также 2 тканых гобеленных картины, которые хранятся в музее «Гобеленов» во Франции. По словам французского исследователя Карла Вермана, художник творил в переходном для живописи и живописцев XVII веке. В это время происходил переход в объединении живописцев от цехового мастерства к академическому, другими словами, от индивидуального стиля к общему и интернационально безличному».
    Симон родился в семье художника Лорана Вуэ и Мари Букийон. Детство мальчика прошло в эпоху религиозных войн между католиками и гугенотами во Франции, когда Париж был неоднократно осаждён. Его отец работал в Лувре, выполнял декоративные работы и участвовал в создании Королевской площади в столице. Сам король Франции Генрих IV (13 декабря 1553 - убит 14 мая 1610), лидер гугенотов и основатель династии Бурбонов был его заказчиком.
    Симон учился живописи у своего отца, помогал ему в работе и очень рано овладел мастерством. У него был младший брат, который тоже стал художником. (Симона – Обен Вуэ (Aubin Vouet , 1595-1641).
    Симон начал свою карьеру, как портретист. Историки утверждают, что удачное исполнение первых портретов послужило причиной приглашения его в качестве портретиста в Англию. В 1611 году молодой художник стал служить у французского посла в Константинополе барона де Санси. Вместе с бароном Вуэ посетил посольство в Константинополе, где по памяти написал портрет
    Портрет – реалистичный жанр, изображающий существующего в действительности человека или группу людей. Портрет - во французском прочтении - portrait, от старофранцузского portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту». Еще одна грань названия портрет кроется в устаревшем слове «парсуна» — от лат. persona — «личность; особа». Читать дальше
    султана Ахмеда I. На художника произвели впечатление восточные костюмы, китайские шелка и индийские ткани. Позже художник активно использовал эти впечатления в своих декоративно-монументальных работах, изображая драпировки и костюмы с особой лёгкостью и воздушностью. Историки употребляют даже такой термин, как «эстетика тканей» Вуэ.
    Из Константинополя в ноябре 1612 года художник отправился в Италию, с которой будут связаны следующие пятнадцать лет его жизни и творчества.
    Двадцатидвухлетний Симон в начале 1613 года прибыл в Венецию. Изучение итальянской живописи, творчества Тициана, Тинторетто и его любимого художника Веронезе оказало огромное влияние на формирование его стиля.
    В 1614 году Симон переезжает в Рим, который считался тогда главным центром европейской художественной жизни. Там Симон попадает под влияние последователей Караваджо (сам художник умер в 1610 году) и художников-академистов из Болоньи. Впрочем, Вуэ поддерживал тесные контакты и с колонией французских художников в Риме, получал он также пенсию и от короля Франции.
    Симон быстро становится известен и популярен, несмотря на то, что в столице Италии были свои «кумиры и лидеры», например, Доменикино и Гвидо Рени. Вуэ получает много заказов, причем, среди его покровителей были весьма именитые персоны. Среди них можно назвать кардинала Барберини, выбранного в 1623 году Папой под именем Урбана VIII, аристократический род Дориа, для которых художник работал с 1620 по 1622 год в Генуе, уважаемые семьи Кассиано даль Поццо, Паоло Джордано Орсини и Винченцо Джустиниани.
    Вуэ пишет не только портреты, но и религиозные и мифологические сюжеты для церквей и дворцов. Он легко усваивает стиль популярного в Италии барокко
    Сменивший Ренессанс стиль барокко, в отличие от искусства Возрождения, сохранявшего дистанцию между произведением и зрителем, стремился потрясти душу. Разумеется, успешно: живописные жемчужины тех времен  - истинные сокровища.
    Читать дальше
    , в алтарных работах художника появляются сюжетная многочисленность фигур, композиционная и колористическая пышность, богатство одеяний, а также динамичные перспективы, за которые его спустя двести лет будут ругать.
    Многие росписи Вуэ находятся в римских церквях Рождества Девы Марии (1618—1620), Сан Франческо а Рипа, в капелле Алалеони церкви Сан Лоренцо и Лукиана (1623—1624) и соборе святого Петра.
    Успех и уважение в художественных кругах привели к тому, что в 1624 году Симон Вуэ был избран президентом римской Академии Святого Луки.
    (Карл Верман, Германский искусствовед, директор Дрезденской картинной галереи). На этом посту он воспитал многочисленных учеников. Именно он пересадил итальянское искусство XVII столетия во Францию, куда вернулся в 1627 г. как «первый мастер» Людовика XIII, осыпанный почестями и заказами. Имеется ввиду именно Римская школа живописи, а не Венецианская, которую привез в Париж одновременно с приездом Вуэ, в 1627 году, Жан Бланшар. Карл Верман пишет, что многочисленные картины художника, написанные масляными красками, которые хранятся в Лувре, говорят о международном безразличии его стиля. Нечто более прочное Вуэ подарил Франции только в лице своих учеников.
    В 1626 году Симон женился. Его избранницей стала юная римлянка Виржиния де Веццо, которая была моделью для его многочисленных Мадонн в религиозных картинах, а позже стала его ученицей и художницей. Из картин Вирджинии да Веццо известно лишь несколько работ, возможно потому, что многие ее работы атрибутируют, как работы мужа, историки тоже пишут, что Симон помогал жене в создании картин.
    Современники считали Вирджинию да Веццо талантливой художницей. Кроме того, она была матерью десяти детей Вуэ. В 1638 году во время очередных родов жена художника умерла.
    Вернемся на десяток лет назад. В 1627 году через своего посла в Риме король Людовик XIII передал художнику свою волю - видеть его в Париже. В конце этого же года художник с женой вернулся в Париж, где сразу же получил квартиру и мастерскую в Лувре. Людовик XIII и кардинал Ришелье продолжали покровительствовать художнику. В 1630 году Вуэ получает специально созданное для него почетное звание «первого живописца короля», руководит мастерской королевских шпалер и становится любимым официальным художником Франции. Сам Людовик XIII брал у художника уроки рисования и любил смотреть, как он работает. Художник выполняет многочисленные заказы на росписи для церквей, дворцов и частных домов знати, продолжает писать картины самых разных жанров. Вуэ выполнил самые значительные декоративные работы во дворцах Людовика XIII - Лувре, Люксембурге, Сен-Жермен, Рюэй, во дворцах кардинала Ришелье Пале-Рояль и Шато де Мальмезон (1632). Эти росписи и декоративные работы не сохранились, они известны главным образом по гравюрам зятя художника – Мишеля Дориньи и Клода Меллана. Фрагменты этих произведений находятся сейчас в замках Фонтенбло и в Пале Рояль в Париже.
    Алтарные картины были написаны Вуэ вместе с его учениками для парижских церквей Сэн-Эсташ (1635) и Сэн-Поль-Сэн-Луи (1640-41).
    Историки называют 1634-37 годы – самым плодотворным периодом творчества Вуэ, считая художника основателем художественной школы во Франции, историки называют различные стили, в которых работал Вуэ и его ученики, одним термином «большой стиль» (grande maniére). На протяжении многих лет Симон Вуэ был главным придворным живописцем, но в 1640 году Людовик XIII обязал вернуться из Италии на родину Николя Пуссена, произнеся свою знаменитую фразу: «Ну, теперь Вуэ попался!», на основе которой исследователи творчества обоих художников сделали вывод, что между ними происходила долгая борьба за первенство, причем, везде пишут, что первым «вышел на тропу войны» Вуэ. На самом деле, художник был в дружеских отношениях с Пуссеном, но, с другой стороны, он ничего не предпринимал, чтобы остановить придворные интриги и памфлеты своих поклонников против Пуссена. Впрочем, пребывание в Париже, как считали и современники, «великого и гениального Пуссена» поколебало монополию Вуэ и его главенство в художественной жизни Парижа. Сам Пуссен, не выдержав этих дрязг и выполнив свои заказы, через два года вернулся в Италию.
    В 1642 году умер Ришелье, в 1643 - Людовик XIII, которому наследовал его пятилетний сын Людовик XIV, при регентше Анне Австрийской. А Вуэ продолжал получать многочисленные заказы.
    Историки пишут, что в поздний период художник был настолько занят заказами, что это стало сказываться на качестве его живописи, он начал впадать в схематизм, большую часть работы выполняли ученики его мастерской.
    В начале 1640-х годов Вуэ вторично женился на молодой вдове Радегонде Беранже, и этот факт, наверное, тоже отвлекал Симона от творчества.
    Отмечу, что Вуэ воспитал целое поколение талантливых учеников, через его мастерскую прошли такие известные живописцы, как главный французский «караваджист» Валентин де Булонь (Valentin de Boulogne, 1591-1632), братья Пьер Миньяр Римский (Pierre Mignard, 7 ноября 1612 - 30 мая 1695) и Николя Миньяр (Nicolas Mignard, 1606-1668), Эсташ Ле Сюэр (Eustache Le Sueur, 19 ноября 1617 – 30 апреля 1655), Шарль Альфонс дю Фресне (Charles Alphonse du Fresnoy, 1611 – 16 января 1668), гравер Клод Меллон (Claude Mellan, 23 мая 1598 – 9 марта 1688), Николя Шаперон (Nicolas Chaperon, 19 октября 1612 - 1656) и фламандец Абрахам Виллартс (Abraham Willaerts, 1603 - 18 октября 1669). Самый известный ученик Вуэ – Шарль Лебрен (Charles Le Brun, 24 февраля 1619 - 22 февраля 1690) стал позже главой французской художественной школы при дворе следующего короля Людовика XIV, который оформил Версаль. Художником стал также внук Вуэ Людовик Дориньи (Ludovico Dorigny, 1654-1742).
    Симон Вуэ умер в Париже 30 июня 1649 года. По иронии судьбы, как и при рождении художника, Париж был осажден, теперь участниками восстания, которое вошло в историю под названием «парламентская Фронда 1648-1649 годов», в которой оппозиция выступила против парламента страны и министерства, возглавляемого кардиналом Мазарини (1602-1661).
    Его достойным преемником стал Лебрен, чье творчество связано уже с другим временем и другим королем. Более, чем кто-либо другой, Симон Вуэ способствовал превращению Парижа эпохи Людовика XIII в художественную столицу Европы. Значительная выставка Вуэ прошла в 1990 (Париж, Гран Пале).
    Первая мемориальная выставка художника состоялась в Париже только в ноябре 1990 года, она была посвящена 400-летию со дня рождения Вуэ. Как написали в прессе, выставка вернула Вуэ его славу и подлинное, достойное место в истории мировой живописи.
    Работы художника находятся в музеях Рима, Генуи и Мюнхена, четыре произведения хранятся в нашем Эрмитаже, но больше всего картин Вуэ собраны в музеях (например, в Лувре) и дворцах Парижа.
    Картина Святой Иероним и ангел написана в характерном для живописи художника тех лет стиле барокко
    Сменивший Ренессанс стиль барокко, в отличие от искусства Возрождения, сохранявшего дистанцию между произведением и зрителем, стремился потрясти душу. Разумеется, успешно: живописные жемчужины тех времен  - истинные сокровища.
    Читать дальше
    .
    Станковая живопись.
    Картина традиционно написана масляными красками.
    Картина написана в религиозном жанре. В стиле Караваджизма с темным колоритом, характерным для итальянского периода живописи мастера.
    Однако, затем Вуэ отходит от этого стиля и начинает подражать модным итальянцам вроде Гвидо Рени и Ланфранко, колорит становится более цветистым, освещение более разбитым, рисунок и композиция, в их искании легкой элегантности, небрежными. Однако и в таких картинах Вуэ встречаются элементы отличной живописи, говорящие против того отрицательного отношения, которое выработалось к мастеру. (С)
    Основой сюжета является легенда о Святом Иерониме Блаженном, родившемся в 342 году в н.э. в г. Стридон, Далмации, Римской Империи (нынешняя Хорватия), и умершем в Вифлееме Иудейском, в Византийской империи, в 419 или 420 году, переводчике Ветхого и Нового Заветов, в настоящее время позднее покровителе переводчиков. Иероним Стридонский был одним из четырех латинских (западных) отцов церкви. И в католической, и в православной церкви почитается как святой.
    На картине изображены Святой Иероним и ангел. Сюжет картины основывается на легенде ранней христианской эпохи 4-5 веков н.э.
    По легенде Иероним был умным и просвещенным человеком. Первую часть своей жизни он провел в Риме, а вторую в Вифлееме Иудейском. Иероним родился в христианской семье, он был сыном христианина Эусебиуса, но сам крестился только в 360 году. У него было 2 брата. Иероним был учеником Элия Доната, известного знатока античной и христианской литературы той эпохи. Живя в Риме, Иероним стал священником и считался одним из образцовых Отцов Церкви, но ему пришлось уехать из-за врагов, которых он нажил себе в Риме. С этого периода он много путешествовал, совершил паломничество к Святой земле.
    Позже (в 374 г.) он удалился на четыре года в Халкидскую пустыню, где стал аскетом. Здесь он изучал еврейский язык и спутниками себе имел, по его собственным словам, «лишь скорпионов и диких зверей».[источник не указан 1906 дней]
    В 386 году Иероним обосновался в Вифлееме. За ним туда последовала римская аристократка Павла, которую он обратил в христианство. Она основывала обители и монастыри, и именно здесь в течение долгих лет Иероним переводил Ветхий и Новый Заветы на латинский язык. Его перевод Библии — Вульгата — был одиннадцать столетий спустя провозглашён Тридентским собором в качестве официального латинского перевода Священного Писания.
    Существует легенда о том, что, когда Иероним жил в монастыре, к нему вдруг пришёл хромой лев. Все монахи разбежались, а Иероним спокойно обследовал больную лапу льва и вытащил из неё занозу. После этого благодарный лев стал его постоянным спутником. Монахи обратились с просьбой к Иерониму заставить льва работать, чтобы он так же, как они, сам зарабатывал себе хлеб насущный. Иероним согласился и заставил льва стеречь монастырского осла, когда тот возил дрова. Однажды лев заблудился и осёл остался без охранника. Оставленного без присмотра осла украли грабители и продали каравану купцов, которые его увели. Вернувшись, лев не нашёл осла и, глубоко опечаленный, пошёл обратно в монастырь. Монахи при виде виноватого взгляда льва решили, что он съел осла, и во искупление греха приказали льву делать работу, предназначавшуюся ослу. Лев повиновался и стал смиренно трудиться. Но однажды лев увидел пропавшего осла в караване и в качестве доказательства своей невиновности с триумфом привёл целый караван в монастырь. (Основание этой легенды можно найти в житии преп. Герасима (Иорданского).) В связи с этой легендой Иероним в западно-европейской живописи почти всегда изображался в сопровождении льва[3].
    Главные работы Иеронима — латинский перевод Ветхого завета, сделанный на основе Септуагинты (с древнегреческого языка) и еврейского текста Ветхого Завета (кроме книг, изначально написанных на арамейском и древнегреческом), и редакция латинской версии Нового завета (лат. Itala или лат. Vetus Latina), получившие впоследствии название Вульгата (лат. Vulgata), а также исторический труд «О знаменитых мужах» (лат. De viris illustribus). Сохранилось другое его историческое произведение — «Хроника», в которой он излагает события всемирной истории, начиная с «сотворения мира», основываясь на «Хронике» Евсевия Кесарийского с дополнениями. Наследие Иеронима также составляют более 120 его писем.
    Обычно он седовласый и бородатый и изображается в трех разных видах. (1) Кающийся грешник, лохматый и полуобнаженный, стоящий на коленях перед распятием в пустыне; держит КАМЕНЬ, которым он может бить себя в грудь, и часто с ЧЕРЕПОМ и ПЕСОЧНЫМИ ЧАСАМИ. (2) Ученый за работой в своем кабинете, с книгами, пером, чернильницей и т. д. (3) Доктор Церкви, стоящий в полный рост, облаченный в кардинальские одежды и держащий макет церкви. Обычные его атрибуты, которые можно видеть во всех перечисленных типах - кардинальская ШАПКА и ЛЕВ. Его надпись - на книге - "In principio creavit Deus caelum et terram..." [лат. - "В начале сотворил Бог небо и землю..."] (Быт., 1:1) - аллюзия на его перевод Библии.
    На картине Симона Вуэ Иероним изображен в кабинете за работой. Вероятно, это сюжет бичевания ангелами. Основой для данного сюжета стала легенда, что его любовь к античной литературе была причиной привидившегося ему сна о том, как он был проклят Богом за то, что предпочитал Цицерона Библии, и как ангелы стегали его в качестве наказания. Этот сюжет традиционен для французской и испанской живописи XVII века и может включать надпись: "Ciceronianus es" [лат. - "Ты цицеронец", то есть язычник. - А.М.].
    Также на картине мы видим изображение Библии, (Ветхого или Нового Завета), которые он переводит на латинский язык. На Святом Иерониме мы видим малиновое покрывало. В Риме Иероним был приближен к папе Дамасу I, но кардинальского сана еще не существовало, поэтому художник изобразил это покрывало как кардинальский атрибут героя. Иногда он изображается в кардинальской шапочке. За спиной Иеронима слева выглядывает крылатый ангел с трубой. По легенде в пустыне Иероним часто воображал себе, что слышит трубы, возвещающие страшный суд. Поэтому он изображен с ангелом, в руках которого труба как напоминание.
    В левом углу стола, ближнем к зрителю, изображена книга, накрытая сероватым покрывалом, на котором расположен череп. Я предполагаю, что это та самая книга Цицерона, от которой Иероним На переднем плане стола также изображены традиционные песочные часы, перо, чернильница, еще одна книга монокль.
    Картина выполнена в темном колорите и темных караваджистских тонах, характерных для итальянской живописи первой половины XVII века.
    Основной свет в картине сосредоточен и как бы исходит падает на ангела и через него освещает Иеронима. Цвет крыльев и рубашки ангела совпадает с цветом Библии, над которой работает Иероним. Визуально можно прочертить диагональ. Ангел и Библия также объединены на уровне смысла и важности/божественности. Правый угол картины более темный. Фон выполнен в темно-коричневом цвете. Тело Иеронима нарисовано в теплом колорите в тональности фона.
    Персонажи объемные и эмоциональные. Их эмоциональность передана художником в стиле барокко
    Сменивший Ренессанс стиль барокко, в отличие от искусства Возрождения, сохранявшего дистанцию между произведением и зрителем, стремился потрясти душу. Разумеется, успешно: живописные жемчужины тех времен  - истинные сокровища.
    Читать дальше
    .
    Изображение на полотне диагонали от ангела к Иерониму углубляет пространство изображения и делает его объемным.
    Фон картины темный. Светлые детали рубашки и покрывала ангела представлены холодными тонами и светлым колоритом.
    Художник создает пространство и образы с помощью контраста темного и светлого колорита.
    В картине присутствуют как четко выписанные линии, например, лицо и лоб Иеронима, так и живописные местами на полотне, такими как лицо ангела и часть его волос, а также части туник и покрывал, контуры которых мы достраиваем в своем воображении.
    Линия восприятия начинается с переднего плана картины. Зритель находится как бы внутри комнаты вместе с героями. Изображение можно воспринимать по диагонали и в виде треугольника.
    Детали четко выписаны на переднем плане картины.
    Картина наполнена драматизмом сюжета и изображением контрастных красок, а также экспрессией поз героев изображения. Когда смотришь на этот молчаливый диалог между ангелом и Иеронимом, окружающие предметы становятся мостиками к большему пониманию, которые хочется перейти, чтобы проникнуть в смысл написанного и еще больше проникнуться эмоциями, переданными автором картины. Лицо Иеронима наполнено покорностью и тревогой одновременно. Его лицо и взгляд передают глубокий психологизм переживаний человека, еще раз получившего напоминание о смерти, хотя череп всегда присутствует на его изображениях, подчеркивая бренность человеческой жизни и увлечений. В отличие от более поздних работ художника
    10. Источники:
    Искусствовед Парашутов www.liveinternet.ru
    Artwiki –Энциклопедия искусств
    Wikipedia.org
    www.bibliotekar.ru
    www.nga.gov.ru
    http://www.symbolarium.ru/
    To post comments log in or sign up.
    Show more