Еще 20 шедевров, которые стоит знать детям. Выбор читателей Артхива

Пожалуй, самый известный шедевр великого Леонардо породил не только толпы в Лувре и многочисленные «мемы», но и стал объектом пристального изучения желающих «поверить алгеброй гармонию». Голландские исследователи после разработки компьютерной программы по распознаванию эмоций установили, что лицо женщины на портрете выражает счастье на 83 процента, отвращение примерно на 9 процентов, страх на 6 процентов, злость на 2 процента, нейтральность на уровне менее 1 процента и удивление на 0 процентов.

Похищение Европы — сюжет многих живописных полотен: мимо него не прошли Тициан, Веронезе, Рембрандт, Гвидо Рени, Клод Лоррен, Франсуа Буше, Гюстав Моро, Валентин Серов и не только. Древнегреческий миф рассказывает о том, как верховный бог Олимпа — Зевс — влюбился в красавицу, но при этом совсем не богиню, а вполне земную женщину по имени Европа. Чтобы похитить девушку, Зевс превратился в быка и отвез «добычу» на остров Крит. Позже жители Крита стали называть свою землю Европой.

Одна из версий создания картины напоминает сказку о «Золушке». Молодой принц Дитрихштейн (самый знатный австрийский дворянский род, глава которого с 1654 года носил титул имперского князя) в венском кафе встретил Анну Бальтауф. Красавица обслуживала посетителей, поднося им горячий шоколад. Принц влюбился, а потом женился на прекрасной шоколаднице. Ее портрет был заказан Лиотару в качестве свадебного подарке невесте.

Было ли все так на самом деле — неизвестно. Но мы точно знаем, что образ Анны Бальтауф стал одной из первых зарегистрированных торговых марок и украсил собой миллионы банок с кофе.

Офорт

Первые известные травлёные доски датированы началом XVI века. Офорт (от фр. eau-forte, «крепкая вода» — азотная кислота) – основная техника в этом виде станковой графики глубокой печати, при которой изображение на поверхности металлической пластины протравливается кислотой. С технологической точки зрения офорт противоположен резцовой гравюре.

Читать дальше

Гойи из цикла «Капричос» озаглавлен испанской пословицей, хотя первоначально художник хотел назвать работу «Всеобщий язык», подчеркивая, что язык живописи и графики доступен каждому. «Сон разума» Гойя пояснял так: «Когда разум спит, фантазия в сонных грезах порождает чудовищ, но в сочетании с разумом фантазия становится матерью искусства и всех его чудесных творений».

Несмотря на то, что на картине изображен блондин, немало детей считают, что это — Пушкин! Между тем, эта картина стала хрестоматийной для изучение романтизма. Некоторые интерпретаторы считают, что полотно представляет собой символ неизвестного будущего. Другие отмечают, что, с одной стороны, человек на картине господствует над пейзажем, с другой — совершенно незначителен среди огромных скал и воздушного моря.

Полотно, впечатляющее своими размерами (7 Х 5 м), основано на реальных, современных Жерико, событиях. Некий Гюг Дюруа граф де Шомаре купил себе место капитана фрегата «Медуза». Его непрофессионализм привел к трагедии — судно село на камни и его никак нельзя было сдвинуть. Высокопоставленные пассажиры получили шлюпки и отчалили к берегу, а 149 оставшихся несчастных получили в свое распоряжение лишь наспех сооруженный плот. Когда пришла помощь, в живых оставались только 15 человек, причем пятеро из них скончались сразу после спасения. Эту трагедию и изобразил Жерико, за что подвергся травле художников-академистов. Живописец умер спустя пять лет в нищете.

На полотне мы видим поезд, мчащийся по мосту Мейденхед над Темзой. Картина стала предвестницей нового течения в живописи — импрессионизма. Английский писатель и искусствовед Джон Рёскин, страстный поклонник творчества Тернера, свидетельствует, что художник загорелся идеей создать эту картину, когда ехал в поезде во время шторма и выглянул в окно. Открывшийся взору вид настолько поразил его, что мастер выразил свои впечатления на холсте.

Художнику было всего 22 года, когда он написал свою «Офелию». В течение пяти месяцев он приходил на берег реки и скрупулезно выписывал каждую травинку, каждый цветочек. Сын Милле позже писал, что один лондонский профессор-ботаник даже приводил студентов к картине, чтобы те изучали растения: настолько детально их выписал Джон Эверетт.

С таким же тщанием Милле подошел и к написанию главной героини полотна. Нет, конечно, девушка не позировала художнику, лежа в ручье. Для этого подошла ванная. Чтобы модель не замерзла во время сеанса, под ванной установили специальные лампы, подогревающие воду. Но натурщица все равно подхватила воспаление легких, и ее отец обязал художника оплатить лечение.

Бурлак — наемный рабочий в России, который при помощи бечевы тянул речное судно против течения. Бурлацкую тягу запретили в 1929 году уже при СССР.

Репин не придумал ни одного из написанных бурлаков. Он приезжал на Волгу и с каждым из изображенных познакомился лично. Его любимой моделью был бурлак, идущий самым первым — это поп-расстрига (служитель, лишенный церковными властями сана) Канин.

Завораживающий эффект отстраненности прохожих, величия города и сырость, но не мрачность, погоды достигается за счет того, что художник изображает площадь и людей с разных точек зрения. Площадь Дублина в Париже так выглядит, если лечь на землю и смотреть на нее снизу вверх. На прохожих же Кайботт смотрит уже будто бы чуть сверху.

Художник остро нуждался в деньгах, поэтому, как ему казалось, придумал беспроигрышный вариант: решил написать портрет

Портрет – реалистичный жанр, изображающий существующего в действительности человека или группу людей. Портрет - во французском прочтении - portrait, от старофранцузского portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту». Еще одна грань названия портрет кроется в устаревшем слове «парсуна» — от лат. persona — «личность; особа». Читать дальше

дочери владельца ломбарда Георгия Дахновича. Но тому портрет

Портрет – реалистичный жанр, изображающий существующего в действительности человека или группу людей. Портрет - во французском прочтении - portrait, от старофранцузского portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту». Еще одна грань названия портрет кроется в устаревшем слове «парсуна» — от лат. persona — «личность; особа». Читать дальше

не понравился, и он отказался его покупать. Врубель позже неоднократно пытался продать свою работу, пока картину не купил за 300 рублей предприниматель и коллекционер Иван Терещенко.

Светлый портрет

Портрет – реалистичный жанр, изображающий существующего в действительности человека или группу людей. Портрет - во французском прочтении - portrait, от старофранцузского portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту». Еще одна грань названия портрет кроется в устаревшем слове «парсуна» — от лат. persona — «личность; особа». Читать дальше

двенадцатилетней Веры Мамонтовой Валентин Серов написал в Абрамцево — имении предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова. Художник любил и этот дом, и все семейство. За спиной у Веры можно разглядеть расписанного деревянного гренадера — за пару лет до написания портрета Серов как раз и раскрасил этого солдата.

Эта картина во многом исследовательская. Кандинского интересует влияние сочетания различных цветов и простых форм. Художник был уверен, что каждый цвет оказывает на зрителя двойной эффект. Первый — самый простой, физический. Второй — духовный. Кандинский называл его «вибрацией души», внутренним резонансом, который возникает при взаимодействии цвета и внутренней сущности человека.

На полотне художник написал себя и свою любимую — Беллу. В книге «Моя жизнь» Шагал так описал их встречу: «С ней должен быть я — вдруг озаряет меня! Она молчит, я тоже. Она смотрит — о, её глаза! — я тоже. Как будто мы давным-давно знакомы, и она знает обо мне все: мое детство, мою теперешнюю жизнь, и что со мной будет; как будто всегда наблюдала за мной, была где-то рядом, хотя я видел ее в первый раз. И я понял: это моя жена. На бледном лице сияют глаза. Большие, выпуклые, черные! Это мои глаза, моя душа».

К моменту завершения «Над городом» Белла и Марк уже были супругами и родителями.

Миро изобразил своего рода инвентаризацию загородного дома, принадлежавшего его семье в Монт-роч-дель-Камп в Каталонии. Художник считал эту работу ключевой в своей карьере, охарактеризовав ее как резюме всей своей жизни в сельской местности. Он писал ее 9 месяцев по 7−8 часов в день, а когда закончил, то сравнил с рождением человека.

Долгое время «Ферма» находилась в личной коллекции знаменитого писателя Эрнеста Хемингуэя, который приобрел ее за пять тысяч французских франков и говорил, что не променяет ее ни на одну другую картину мира. Четвертая жена писателя, Мэри, в 1987 году передала «Ферму» Национальной галерее искусства в Вашингтоне.

«Ферма» (наряду с работами Брейгеля-старшего и Босха) стала отправной точкой для создания целого жанра — «виммельбух» — детских книжек с «мельтешащими картинками».

Самая известная картина американца Хоппера. В конце сороковых — начале пятидесятых годов прошлого века постер с ее репродукцией висел едва ли не в каждом студенческом общежитии Соединенных Штатов.

По одной из версий, на создание «Полуночников» Хоппера вдохновил небольшой рассказ Хемингуэя «Убийцы», правда, в нем не было женщины, которая появилась на картине. Когда в 1946 году в Голливуде экранизировали «Убийц», то во многом опирались на хопперовскую работу.

На написание картины Уайета вдохновила его соседка, перенесшая полиомиелит и частично парализованная. При этом женщина отказывалась пользоваться инвалидным креслом и прибегать к посторонней помощи. Художник долго и скрупулезно писал пейзаж

Развитие жанра от древности до наших дней: как религия и изобретение техники масляной живописи способствовали становлению жанра в Европе и почему так важна река Гудзон? Читать дальше

и поначалу вообще хотел отказаться от женской фигуры. «Слишком много сюжета», — говорил он, но Кристина на полотне все-таки появилась. Уайету позировала его жена, потому что истинной вдохновительнице на тот момент уже исполнилось 55 лет.

Картина стала метафорой трудной дороги домой.

Один из самых дорогих художников ХХ века, что не сделало его счастливым. Так бывает.

При жизни Ротко выставлял жесткие условия для экспозиции своих работ. Для правильного восприятия освещение обязано был быть скудным, зал не должен был быть проходным. Отвлекающих объектов и чужих картин рядом со своими Ротко не терпел. Полотна должны были висеть в 30 см от пола и на значительном расстоянии друг от друга. Никаких массивных рам, максимум — скромный тонкий багет

Теме обрамления произведения искусства всегда уделяли большое внимание мастера и владельцы работ. Перефразируя пословицу, скажем так: как вы раму подберете – так картина «запоет». Или же ее послание будет заглушаться слишком вычурным или недостаточно выразительным обрамлением. Рассказываем об истории и эволюции вопроса, представляя иллюстрированный экскурс с комментариями специалиста. Читать дальше

. Зрителю полагалось находиться на расстоянии 40 см от картины и стоять спокойно и вдумчиво. Если все это соблюдалось, то зритель, благодаря большому размеру работ и стилю их написания, оказывался как бы внутри них, увлеченный и поглощенный цветом.

Художник так говорил о своей работе: «Это то, что происходит постоянно. Все, что мы видим, скрывает что-то другое. Мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим. Существует интерес к тому, что скрыто и что видимое нам не показывает. Этот интерес может принимать форму довольно интенсивного чувства, своего рода конфликта, можно сказать, между видимым, которое скрыто, и видимым, которое представлено».

В заключение напоминаем о специальном разделе Артхива «Искусство — детям» и благодарим всех наших читателей за участие в создании «детского арт-путеводителя»! Продолжение следует…