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Homme qui marche ii
Alberto Giacometti • Sculpture, 1960, 188×27.9×111.7 cm
Descriptif de l'œuvre «Homme qui marche ii»
Dans la seconde moitié du XXe siècle, l’oeuvre d’art est considérée comme pertinente si vous devez passer un peu de temps devant elle pour identifier l’objet visé. Il vaut mieux lire le nom de l'œuvre ou l'explication du conservateur. Mieux encore, n'essayez pas de relier l'image à un sujet du monde réel. L'art actuel est abstrait.
L’Europe après la Seconde Guerre mondiale a été dévastée, détruite, détruite. Les gens sont abandonnés avec toutes leurs blessures, leurs pertes irrémédiables, leur solitude, leur honte et leur désespoir. Et l'abstraction se révèle souvent être le seul langage approprié pour parler de cette catastrophe. Alberto Giacometti rentre à Paris à la fin de la guerre avec plusieurs boîtes d'allumettes - dans ces boîtes, ses sculptures datent de plusieurs années militaires (1, 2, 3). De minuscules figures humaines, sans visage et fragiles, presque éteintes. Mais dans les prochaines années, ils vont commencer à se développer.
Giacometti a réussi à rendre l'image de la figure humaine dans la sculpture. Ses célèbres silhouettes humaines de corde, les bras et les jambes figés dans un geste précis, évoquaient une douleur et une peur de la mort pas plus calmes que les taches de couleur sur les toiles des expressionnistes abstraits.
«J'ai toujours senti la fragilité dans la vie. Comme s'il avait besoin d'une énergie incroyable chaque seconde pour continuer à exister. Toujours sous la menace de la pourriture. Il n'y a qu'une seule peur de l'extinction.- a déclaré Giacometti dans une interview. Et cette fragilité du vivant s’exprime dans les proportions particulières du corps humain: c’est ainsi que l’on voit une personne dans un brouillard flou, à grande distance, dans le fond défocalisé de la photographie, dans un reflet dans l’asphalte humide après la pluie. Lorsque la figure est mangée dense, l'espace tangible. En réduisant le volume de la figure, Giacometti augmente la distance entre elle et les autres, entre elle et le spectateur. Silhouette plus mince - immense volume de vide autour.
Les figures masculines et féminines de Giacometti reçoivent leur énergie pour vivre de différentes manières. Femmes - sont fixes, concentrées et collectées, ont leur propre noyau intérieur et une base solide, des jambes démesurément grandes et stables (cela ne leur permet pas de disparaître)1, 2). Hommes - toujours en mouvement: foulée, indiquermêmetombent - aussi action. Les écrivains existentialistes ont vu dans ces sculptures de Giacometti l'incarnation matérielle de sa propre philosophie. Jean-Paul Sartre a écrit un essai pour l'exposition d'un sculpteur en Amérique, affirmant que Giacometti parvient à transmettre un geste net, la chose la plus insaisissable qui restera d'une personne si tout est supprimé.
Cela semblait une percée incroyable, une nouvelle façon de voir. En raison de tous les langages de l’art, la sculpture est la moins adaptée au transfert de l’immatériel. Mots conditionnels, allitération, rimes dans la littérature ou dans les couleurs, couleur, forme dans la peinture, absolument invisible, sons intangibles et intervalles dans la musique - tout art est plus propice à la signification spéculative que l'argile, le bronze, le gypse. Des matériaux qui, de par leur nature, ne peuvent être dépouillés du volume.
Giacometti a sculpté son peuple fantomatique allongé, comme des dessins au crayon dans les airs, appliquant progressivement de petits morceaux d'argile sur une tige de métal de haut en bas, de bas en haut. Sur des moulages en bronze, ces irrégularités de la masse d’argile accumulée et même les empreintes digitales du sculpteur peuvent être prises en compte. Et il a dit qu'il n'avait jamais considéré la sculpture comme étant terminée - une fois qu'elle aurait été vue par un visiteur d'un atelier, un revendeur insistant ou une exposition. Dès que quelqu'un a vu le travail, vous pouvez le reporter et commencer le prochain depuis le même endroit. Continuez à sculpter et à bouger - devenant constamment un geste pur sous la menace de l’extinction.
Auteur: Anna Sidelnikova
L’Europe après la Seconde Guerre mondiale a été dévastée, détruite, détruite. Les gens sont abandonnés avec toutes leurs blessures, leurs pertes irrémédiables, leur solitude, leur honte et leur désespoir. Et l'abstraction se révèle souvent être le seul langage approprié pour parler de cette catastrophe. Alberto Giacometti rentre à Paris à la fin de la guerre avec plusieurs boîtes d'allumettes - dans ces boîtes, ses sculptures datent de plusieurs années militaires (1, 2, 3). De minuscules figures humaines, sans visage et fragiles, presque éteintes. Mais dans les prochaines années, ils vont commencer à se développer.
Giacometti a réussi à rendre l'image de la figure humaine dans la sculpture. Ses célèbres silhouettes humaines de corde, les bras et les jambes figés dans un geste précis, évoquaient une douleur et une peur de la mort pas plus calmes que les taches de couleur sur les toiles des expressionnistes abstraits.
«J'ai toujours senti la fragilité dans la vie. Comme s'il avait besoin d'une énergie incroyable chaque seconde pour continuer à exister. Toujours sous la menace de la pourriture. Il n'y a qu'une seule peur de l'extinction.- a déclaré Giacometti dans une interview. Et cette fragilité du vivant s’exprime dans les proportions particulières du corps humain: c’est ainsi que l’on voit une personne dans un brouillard flou, à grande distance, dans le fond défocalisé de la photographie, dans un reflet dans l’asphalte humide après la pluie. Lorsque la figure est mangée dense, l'espace tangible. En réduisant le volume de la figure, Giacometti augmente la distance entre elle et les autres, entre elle et le spectateur. Silhouette plus mince - immense volume de vide autour.
Les figures masculines et féminines de Giacometti reçoivent leur énergie pour vivre de différentes manières. Femmes - sont fixes, concentrées et collectées, ont leur propre noyau intérieur et une base solide, des jambes démesurément grandes et stables (cela ne leur permet pas de disparaître)1, 2). Hommes - toujours en mouvement: foulée, indiquermêmetombent - aussi action. Les écrivains existentialistes ont vu dans ces sculptures de Giacometti l'incarnation matérielle de sa propre philosophie. Jean-Paul Sartre a écrit un essai pour l'exposition d'un sculpteur en Amérique, affirmant que Giacometti parvient à transmettre un geste net, la chose la plus insaisissable qui restera d'une personne si tout est supprimé.
Cela semblait une percée incroyable, une nouvelle façon de voir. En raison de tous les langages de l’art, la sculpture est la moins adaptée au transfert de l’immatériel. Mots conditionnels, allitération, rimes dans la littérature ou dans les couleurs, couleur, forme dans la peinture, absolument invisible, sons intangibles et intervalles dans la musique - tout art est plus propice à la signification spéculative que l'argile, le bronze, le gypse. Des matériaux qui, de par leur nature, ne peuvent être dépouillés du volume.
Giacometti a sculpté son peuple fantomatique allongé, comme des dessins au crayon dans les airs, appliquant progressivement de petits morceaux d'argile sur une tige de métal de haut en bas, de bas en haut. Sur des moulages en bronze, ces irrégularités de la masse d’argile accumulée et même les empreintes digitales du sculpteur peuvent être prises en compte. Et il a dit qu'il n'avait jamais considéré la sculpture comme étant terminée - une fois qu'elle aurait été vue par un visiteur d'un atelier, un revendeur insistant ou une exposition. Dès que quelqu'un a vu le travail, vous pouvez le reporter et commencer le prochain depuis le même endroit. Continuez à sculpter et à bouger - devenant constamment un geste pur sous la menace de l’extinction.
Auteur: Anna Sidelnikova
