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Le vent du sud. Temps clair (Fuji rouge)
Katsushika Hokusai • Gravure, 1832, 24.4×35.6 cm
Descriptif de l'œuvre «Le vent du sud. Temps clair (Fuji rouge)»
À l'âge vénérable de 70 ans, Hokusai a commencé à travailler sur la série de gravures sur bois qui deviendrait canonique à la fois pour son travail et pour les estampes japonaises classiques en général. Le cycle des 36 vues de Fuji comprend deux de ses œuvres mondialement connues, South Wind. Clear Day (alias Red Fuji) et La grande vague au large de Kanagawa.
La série était destinée à devenir un culte: elle avait ses adeptes parmi les contemporains de Hokusai et elle a inspiré les gens au XXe siècle. Dans les années 1860, un autre graveur japonais ukiyo-e, Utagawa Hiroshige a créé le cycle du même nom, 36 Vues de Fuji. Et en 1985, l'écrivain de science-fiction américain Roger Zelazny a créé 24 vues du mont. Fuji, par Hokusai, dont l'intrigue principale est basée sur le pèlerinage d'une femme attendant sa mort prématurée vers les lieux capturés sur les gravures de l'artiste.
36 et 10
Initialement, la série comprenait 36 gravures, dans lesquelles la montagne sacrée japonaise pouvait être contemplée sous l'angle le plus pittoresque: du côté de la capitale Edo (aujourd'hui Tokyo). Ces feuilles sont appelées Omote Fuji (Front Side Fuji).
Après le succès écrasant du cycle, la maison d'édition a décidé de poursuivre la série et a publié 10 autres feuilles, sur lesquelles le mont Fuji a été capturé principalement depuis son versant ouest - Ura Fuji (le dos du Fuji). On ne connaît pas les raisons pour lesquelles une différence significative apparaît sur eux: sur les 10 feuilles supplémentaires, les contours des objets sont indiqués en noir, contrairement aux gravures originales, où les objets sont encadrés en bleu foncé.
Une autre caractéristique de toute la série est qu'une nuance spéciale de bleu a été utilisée dans sa création, appelée Berlin Indigo. À l'époque, il s'agissait d'un nouveau pigment apporté au Japon par les marchands néerlandais.
Innocence bénie
En fait, malgré le nom du cycle, la montagne sacrée elle-même n'apparaît que dans deux gravures. Le Fuji rouge est l'un d'entre eux (et voici le second). Sur tout le reste, son sommet enneigé n'est qu'un décor pittoresque, contre lequel soit scènes de tous les jours de la vie de différentes classes avec des éléments déchaînés sont joués, ou même des paysages plus pittoresques se déroulent avec la participation des représentants du monde animal.
Il semblerait que Hokusai ne dépeint rien de surnaturel sur cette gravure, mais ses gravures sont conservées dans les meilleures collections mondiales, telles que le British Museum de Londres, le Metropolitan Museum de New York, le Indianapolis Art Museum et autres.
C'est l'impression la plus laconique de Hokusai, la quintessence du minimalisme japonais. Rien de superflu: juste quelques couleurs, quelques objets au point - juste une montagne et un ciel solitaires, et des cirrus autour. Tous les éléments sont dessinés de manière schématique et symbolique, comme si l'artiste se fixait délibérément pour objectif d'afficher la composition conçue avec le minimum de moyens possibles.
Le mont Fuji se tenait au bord de la mer
En regardant les œuvres d'art de l'apogée de notre siècle, vous réalisez à quel point elles sont en avance sur leur temps. Le Fuji rouge pourrait être un représentant de la modernité, ce qui n'est pas surprenant, car les origines de l'Art nouveau sont profondément ancrées dans l'art japonais. Dans la façon dont les épines de la forêt de conifères recouvrent le pied du volcan endormi d'un seul trait, le souffle de l'impressionnisme est clairement tracé (même son émergence a été apportée par la gravure japonaise).
Dans sa pureté géométrique et chromatique, la gravure de Hokusai est proche même des idéaux artistiques de les suprématistes et la nature illusoire du paysage de rêve a des signes surréalistes. Aussi fantasmagorique que puisse paraître la montagne rouge, son apparence n'est ni une fiction ni un caprice de l'artiste.
Le fait est que la montagne est exactement comme elle apparaît dans les conditions mentionnées dans le titre de la gravure. Au début de l'automne, lorsque le ciel est dégagé et que le vent souffle du sud, le soleil levant peint le mont Fuji pourpre. Et ce moment de transition entre la nuit et le jour, le changement de saison, entre le sommeil et la réalité, habilement capté par Hokusai, rend le Fuji rouge aussi attrayant et presque aussi paradoxal que celui de Malevitch. Carré noir.
Écrit par Natalia Azarenko
La série était destinée à devenir un culte: elle avait ses adeptes parmi les contemporains de Hokusai et elle a inspiré les gens au XXe siècle. Dans les années 1860, un autre graveur japonais ukiyo-e, Utagawa Hiroshige a créé le cycle du même nom, 36 Vues de Fuji. Et en 1985, l'écrivain de science-fiction américain Roger Zelazny a créé 24 vues du mont. Fuji, par Hokusai, dont l'intrigue principale est basée sur le pèlerinage d'une femme attendant sa mort prématurée vers les lieux capturés sur les gravures de l'artiste.
36 et 10
Initialement, la série comprenait 36 gravures, dans lesquelles la montagne sacrée japonaise pouvait être contemplée sous l'angle le plus pittoresque: du côté de la capitale Edo (aujourd'hui Tokyo). Ces feuilles sont appelées Omote Fuji (Front Side Fuji).
Après le succès écrasant du cycle, la maison d'édition a décidé de poursuivre la série et a publié 10 autres feuilles, sur lesquelles le mont Fuji a été capturé principalement depuis son versant ouest - Ura Fuji (le dos du Fuji). On ne connaît pas les raisons pour lesquelles une différence significative apparaît sur eux: sur les 10 feuilles supplémentaires, les contours des objets sont indiqués en noir, contrairement aux gravures originales, où les objets sont encadrés en bleu foncé.
Une autre caractéristique de toute la série est qu'une nuance spéciale de bleu a été utilisée dans sa création, appelée Berlin Indigo. À l'époque, il s'agissait d'un nouveau pigment apporté au Japon par les marchands néerlandais.
Innocence bénie
En fait, malgré le nom du cycle, la montagne sacrée elle-même n'apparaît que dans deux gravures. Le Fuji rouge est l'un d'entre eux (et voici le second). Sur tout le reste, son sommet enneigé n'est qu'un décor pittoresque, contre lequel soit scènes de tous les jours de la vie de différentes classes avec des éléments déchaînés sont joués, ou même des paysages plus pittoresques se déroulent avec la participation des représentants du monde animal.
Il semblerait que Hokusai ne dépeint rien de surnaturel sur cette gravure, mais ses gravures sont conservées dans les meilleures collections mondiales, telles que le British Museum de Londres, le Metropolitan Museum de New York, le Indianapolis Art Museum et autres.
C'est l'impression la plus laconique de Hokusai, la quintessence du minimalisme japonais. Rien de superflu: juste quelques couleurs, quelques objets au point - juste une montagne et un ciel solitaires, et des cirrus autour. Tous les éléments sont dessinés de manière schématique et symbolique, comme si l'artiste se fixait délibérément pour objectif d'afficher la composition conçue avec le minimum de moyens possibles.
Le mont Fuji se tenait au bord de la mer
En regardant les œuvres d'art de l'apogée de notre siècle, vous réalisez à quel point elles sont en avance sur leur temps. Le Fuji rouge pourrait être un représentant de la modernité, ce qui n'est pas surprenant, car les origines de l'Art nouveau sont profondément ancrées dans l'art japonais. Dans la façon dont les épines de la forêt de conifères recouvrent le pied du volcan endormi d'un seul trait, le souffle de l'impressionnisme est clairement tracé (même son émergence a été apportée par la gravure japonaise).
Dans sa pureté géométrique et chromatique, la gravure de Hokusai est proche même des idéaux artistiques de les suprématistes et la nature illusoire du paysage de rêve a des signes surréalistes. Aussi fantasmagorique que puisse paraître la montagne rouge, son apparence n'est ni une fiction ni un caprice de l'artiste.
Le fait est que la montagne est exactement comme elle apparaît dans les conditions mentionnées dans le titre de la gravure. Au début de l'automne, lorsque le ciel est dégagé et que le vent souffle du sud, le soleil levant peint le mont Fuji pourpre. Et ce moment de transition entre la nuit et le jour, le changement de saison, entre le sommeil et la réalité, habilement capté par Hokusai, rend le Fuji rouge aussi attrayant et presque aussi paradoxal que celui de Malevitch. Carré noir.
Écrit par Natalia Azarenko
Publication à propos de l'œuvre
