The Arnolfini portrait

Jan van Eyck • Peinture, 1434, 82×60 cm
$54
Digital copy: 2.0 MB
3087 × 4226 px • JPEG
35.3 × 48.2 cm • 222 dpi
52.3 × 71.6 cm • 150 dpi
26.1 × 35.8 cm • 300 dpi
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À propos de l'œuvre
Type d'art: Peinture
Sujet et objets: Portrait, Animalier, Intérieur
Courant artistique: Renaissance (La Renaissance)
Technique: Le beurre
Ressources: L'arbre
Date de création: 1434
Taille: 82×60 cm
Œuvre dans les sélections: 110 selections
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Descriptif de la toile «The Arnolfini portrait»

"Portrait du couple Arnolfini" - peut-être l'œuvre la plus reconnaissable de Jan van Eyck avec Autel de Gand... Cette peinture est considérée comme l'une des plus originales et mystérieuses de l'art occidental, grâce à sa beauté, à son iconographie complexe, à sa perspective orthogonale géométrique et à l'expansion de l'espace avec un miroir. De nombreuses questions qui y sont liées n'ont pas encore reçu de réponse sans ambiguïté et font l'objet de nombreuses années de controverses entre scientifiques.

Tout d'abord, les historiens de l'art ne peuvent s'accorder sur la question de savoir si ce double portrait est celui d'un mariage. Certains experts y voient une forme unique de contrat de mariage, dont la conclusion a été constatée par l'artiste lui-même. Cependant, la National Gallery de Londres, où le chef-d'œuvre est conservé, déclare sans équivoque qu'il s'agit d'une image d'un couple marié, mais pas d'un mariage. Cette opinion est considérée comme la plus officielle aujourd'hui.

Avec un degré de probabilité élevé, on ne peut qu'affirmer que le tableau représente un marchand italien Giovanni di Nikolao Arnolfini et sa femme, probablement chez eux à Bruges.

La deuxième phrase de la description du tableau sur le site Web de la National Gallery commence par les mots "Sa femme n'est pas enceinte ...". En effet, en y regardant de plus près, vous pouvez voir que l'illusion d'un ventre arrondi est formée par les plis d'une robe lourde, que la dame a froncée et tient sous sa poitrine. En général, l'image de la femme enceinte à la Renaissance était jugée inappropriée et, au troisième trimestre, les femmes étaient à la maison pendant les démolitions et n'apparaissaient pas en public. Le geste de l'héroïne de la photo, qui est maintenant interprété comme un soupçon de future maternité, était alors un signe de modestie féminine - les filles ont reçu l'ordre de garder les mains sur leur ceinture en public en public.

Néanmoins, des indications de grossesse ou de son attente sont présentes sur l'image - des fruits mûrs sur le rebord de la fenêtre et se terminant par une statuette en bois de sainte Marguerite, la patronne des femmes en travail. Elle est représentée en train de vaincre le dragon de l'hérésie sur la tête de lit à côté de la tête de la femme.

Certains scientifiques, pour un certain nombre de raisons, suggèrent que la jeune femme du portrait est en fait décédée un an avant que le tableau ne soit peint ou en travaillant dessus. Par exemple, dans un lustre en fer, une bougie allumée est représentée au-dessus d'un homme et une bougie éteinte au-dessus d'une femme. Le deuxième signe est des scènes de la Passion du Christ, peintes dans de minuscules médaillons (un demi-ongle) dans un cadre miroir derrière le dos des héros. Du côté d'Arnolfini, il y a des scènes de la vie de Jésus, du côté de sa femme - des scènes après la mort. Cependant, la version du portrait posthume est également remise en question.

Les critiques d'art n'espèrent jamais comprendre exactement ce qui est présenté dans l'image. Il ne fait aucun doute qu'il ne s'agit pas simplement d'un double portrait, il se passe ici quelque chose d'important. Les mains du couple sont jointes, les deux a enlevé leurs chaussures (les jambes de la femme sont cachées par une jupe, mais par le canapé au fond de la pièce ses chaussures sont). Tout cela a une signification symbolique. L'absence de chaussures sur les pieds, par exemple, peut indiquer un événement sacré, et une bougie allumée dans un lustre peut être un symbole de la présence de Dieu.

Levant la main, l'homme prononce une sorte de serment ou accueille simplement les visiteurs qui peuvent être vus dans le miroir... Cela montre que deux personnes se tiennent sur le seuil de la salle (juste à la place du spectateur) - peut-être témoins de ce qui se passe. Il semble que l'un d'eux soit le peintre lui-même, qui est soutenu par une élégante inscription entre le miroir et le lustre: «Johannes van eyck fuit hic» ou «Jan van Eyck was here». Cela crée un sentiment de présence et de témoignage de l'artiste.

Les héros de l'image étaient très riches. En un sens, le Portrait Arnolfini peut être qualifié de portrait de richesse. Au début du XVe siècle, Bruges était une ville économiquement prospère et un centre commercial majeur en Europe du Nord, et la famille Arnolfini était une dynastie financière influente. La richesse des époux est attestée par de nombreux détails - de leurs vêtements à l'ameublement de la chambre. Selon une version, un homme - dans une atmosphère solennelle et en présence de témoins - transfère à sa femme le droit de gérer une partie de leur propriété.

Chien debout entre mari et femme, est un symbole de dévotion et de fidélité - cet animal était souvent inclus dans les portraits de conjoints. Un autre élément intéressant est les oranges posées sur le rebord de la fenêtre. Ils peuvent également impliquer la richesse, puisque ces fruits étaient très chers en Flandre. On suppose qu'Arnolfini les a amenés au pays, et c'est une référence à la source de sa fortune. Le tapis au sol de la chambre indique également la richesse et le goût des propriétaires de la maison.

Une autre interprétation erronée de cette image mérite d'être signalée: beaucoup pensent que l'action se déroule dans la chambre à coucher. Cependant, au XVe siècle dans les Basses Terres, les locaux des maisons n'avaient pas de but clair. Les lits pouvaient se tenir n'importe où, y compris dans la pièce où les invités étaient reçus. La division des chambres en salles de cérémonie, destinées aux visiteurs, et en salles internes s'est produite beaucoup plus tard.

Dans Portrait of the Arnolfini Couple, Van Eyck s'est montré innovateur en utilisant des peintures à l'huile au lieu de la tempera alors plus courante. Grâce à eux, il a pu obtenir un effet radieux et une richesse de couleur impossible avec la tempera. L'artiste a appliqué une couche de peinture translucide sur la précédente avant même qu'elle ne soit complètement sèche, recevant des traits continus et des contours adoucis. Brillant les uns à travers les autres, ces couches créent des couleurs saturées incroyablement profondes, l'illusion d'une image en trois dimensions et donnent à la surface du tableau un effet d'émail.

L'artiste britannique contemporain David Hockney, avec le soutien du spécialiste américain de l'optique Charles Falco, a émis l'hypothèse que la transition nette de la simplification médiévale des images au réalisme de la Renaissance était associée à l'utilisation d'instruments d'optique et non au développement de la compétence des artistes. Une des confirmations de leur théorie, les auteurs considèrent le travail de Jan van Eyck, qui, à leur avis, a écrit le "Portrait du couple Arnolfini" à partir de la projection obtenue à l'aide d'un miroir concave. Hockney souligne que lustre sur la photo dépeint en "projection idéale", ce qui est censé être impossible à réaliser sans aides. De plus, il n'y a pas de dessin préliminaire sous ce fragment.

Cependant, le scientifique de Stanford David Stork a prouvé que le dessin du lustre a été fait avec des erreurs et qu'il peut être dessiné sans outils spéciaux. En outre, pour obtenir l'effet souhaité, Van Eyck a dû prendre une sphère d'un diamètre d'environ deux mètres, et à son époque, elles n'étaient pas encore produites.

Des figures allongées, disproportionnées par rapport aux objets environnants, le non-respect des règles de la perspective et un manque d'intérêt pour l'anatomie humaine indiquent que nous avons devant nous une image non pas de l'italien, mais de la Renaissance septentrionale, caractérisée par reproduction fidèle des textures et exécution minutieuse des moindres détails.

Auteur: Vlad Maslov
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