Множественный модернизм: (1905-1970) - парижская ретроспектива (ч. 1 – Европа)

Постоянная экспозиция в центре современного искусства Жоржа Помпиду ждет всех, чей ум будоражат фамилии Матисс, Кандинский, Модильяни, Пикассо и Дали. Новый язык, отказ от повествовательности и оппозиция к «красивому» на изломе веков — вот лишь некоторые постулаты азбуки модернизма, показанной в музее тысячей работ художников Европы, США, Латинской Америки, Азии и Африки, а еще — фото, видео и скульптурными композициями. Журналисты Артхива посетили музей и приглашают вас на экскурсию: начнем с Европы!

Арт-глобализация

Начало ХХ века. На смену тогда уже страдающему малокровием импрессионизму закономерно пришли совершенно иные формы художественного самовыражения. Но это был не просто эксперимент, а отражение тогдашних реалий. Утопист или пророк? — Какова роль художника в современной жизни? И что важнее: общество или личность? Ретроспектива состоит из множества ящичков-экспозиций и резонирует со всеми этими вопросами, которые ставило перед собой искусство 20-го века.

Энциклопедию авангарда на ретроспективе можно пролистать, рассматривая работы Марселя Дюшана, Френсиса Пикабиа, Франтишека Купки вместе с картинами других, менее известных, но не менее талантливых художников — Георгия Якулова, Владимира Баранова-Россине, Генри Валенси или Амадео де Соуза-Кардоза.

Как ни странно, романтизируемый период стеклобетонных «городов будущего» и картин, призванных «не отражать видимое, а делать видимым», его современники воспринимали иначе. На повороте столетий в Париже обыватели садили Эгона Шиле в тюрьму за порнографию, в обиход вошел термин «декаданс», творцы кончали жизнь самоубийством, а типичный герой того времени представлял собой художника-маргинала.

Несмотря на мрачные настроения, Париж манил художников всего мира, которые приезжали сюда на учебу и творили в студиях на Монмартре и Монпарнасе. До второй мировой войны французская арт-сцена была космополитичной и пестреющей различными формами: экспрессионизмом, примитивизмом, кубизмом, футуризмом, абстракционизмом и реализмом. Границы национальных школ размываются. В 1950—1970-е годы это движение возродилось. Тем временем, искусство становится зависимым от интерпретации.

Масштабность ретроспективы предохраняет от желания прожевать картины как биг-мак, сделав пару фото на фоне всем известных шедевров и «зачекинившись» в галерее, отправиться на шоппинг. Хотя ретроспектива проливает свет и на творчество зачастую остающихся без внимания художников, превалирующее число авторов — у всех на слуху, и чтобы по-настоящему их увидеть, туристической марафонской пробежки мало: сюда стоит придти не единожды.

Шрамы от войны

Картины расположены в хронологической последовательности, однако начинается выставка с двух работ, иллюстрирующих кризис современной мысли. Его повлекли за собой пережитые кошмары первой мировой войны. Картина законодателя пуризма (живописного направления, характеризующегося предельным графизмом и машинными формами) Амеде Озенфана (Amédée Ozenfant), (1928) «Четыре расы» (Les quatre races) — монументальное полотно. Преувеличенные фигуры, абстрактные формы и чистые цвета рассказывают о приверженности автора идеям пацифизма и веру в то, что искусство будет играть в мире главенствующую роль.

В противовес этой работе мрачная картина «Европа» Измаэля де ла Серна (Ismael González de la Serna), написанная в 1935 г., изображает коленопреклоненных и порабощенных катастрофой людей, отсылая к событиям гражданской войны в Испании.

Занимательная геометрия

Точкой отсчета в истории кубизма считают живопись и акварели Cезанна. Первым же, кто нарушает красками привычную глазу гармонию изображаемого на холстах, становится Пабло Пикассо. Его «Гитарист» (La Guitariste), написанный в 1910 может показаться хаотичным набором монохромных геометрических элементов, однако при рассмотрении можно увидеть и гитару, и лицо, и «разбросанное» по холсту тело.

Поль Клее, переживший войну и преподававший вместе с Кандинским в Баухаузе, как музыкант, добавляет в свои картины четкий ритм. Расположенная в центре холста стрелка («Стрелка в саду» (Pfeil im Garten) (1929)) указывает вовсе не направление к выходу. Это важнейший элемент в лексиконе автора, является ориентиром среди множества графических знаков. Кстати, если получше рассмотреть полотно, то среди линейных перипетий можно и в правду увидеть сад с растениями, а еще — перила, террасы и фасады.

Пересечением красных, желтых и синих линий нидерландскому абстракционисту Питу Модриану (Piete Mondrian) виделся… Нью-Йорк. («New York city) (1942). Художник увлекался теософией и исповедовал «неопластицизм» — аскетическое выражение красоты через линии, формы и тона.

А вот — эмоциональный кубизм от Марка Шагала. Здесь и его праздник жизни — «Двойной портрет с бокалом вина» (1917), и написанный в этом же году романтический диспропорциональный портрет жены — «Белла в белом воротничке», и вызывающее парад ассоциаций живописное посвящение «России, ослам и другим» (1912).

Если бы геометрию в школе преподавала Соня Делоне (Sonya Delaunay), заскучать было бы невозможно. «Мозаика» («Mozaik») (1954) — пример того, как художница соединяла живопись и дизайн.

«Будляне» и ко

Реакцией на появление итальянского футуризма, желающего избавить искусство от рафинированной музейности, стало рождение в Европе его сыновей — кубофутуризма, симультанизма, ультраизма, лучизма, вибрационизма и синтетизма.

В России живопись сделала куда более резкий рывок от повествовательных картин к авангардистской беспредметности. Предтечей русского авангарда считают средневековую живопись — икону и лубок. Постепенно русские художники начинают теснить писателей, завоевывая мировую славу.

В России футуризм относился к «левому» искусству. Михаил Ларионов — первый, кто полностью отошел от предметной живописи и ввел термин «лучизм». Это такой русский вариант постимпрессионизма, не зря творчество Ларионова сравнивают с Ван-Гогом.

Художница Наталья Гончарова по праву назвала себя первой русской кубисткой. Кстати, считается, что русский кубофутуризм предвосхитил появление дада.

В то же время последователь Пикассо, дерзкий «будлянин» (так называли себя футуристы в России) Владимир Татлин создает свои угловатые контрастные работы. На выставке представлена его модель памятника Третьему интернационалу — предел мечтаний футуристов и пример несуществующего экспериментального зодчества в России. Гигантская (по задумке, высотой в километр!) вращающаяся с разной скоростью спираль, меняющаяся в зависимости от времени суток, явно опережала технические возможности страны.

Справка АРТХИВа. В ХХ веке одной из составляющих трансформаций, происходящих в обществе стал конструктивизм . Представители этого направления мечтали интегрировать искусство во все аспекты повседневности, в частности, в архитектуру и дизайн. Мы находим отголоски этого революционного по тем временам проекта во многих странах Центральной и Восточной Европы. Экспозиция демонстрирует произведения известных художников, представляющие собой синтез из различных утопических идей и конструктивистского искусства.

«Девушка в зеленом» (1930) и «Портрет мужчины» (1928) (а в последующем — мужа, Тадеуша Лемпицкого) «Дивы Деко» Тамары де Лемпицкой — пример стиля арт-деко, возникшего в 20−30 годы прошлого века и ставшего благодатной почвой для реализации женщин-художниц, среди которых — Мари Лорансен (Marie Laurencin) и Мария Бланшар (María Gutierrez Cueto y Blanchard).

Будничная магия

Наряду с сюрреализмом ретроспектива знакомит нас с отголосками «новой вещественности», представленной художниками из Центральной Европы, которые, в большинстве своем, жили во Франции. Это направление зародилось в Германии 20-х годов как реакция на травматизм войны и дегуманизацию. Художники начали реалистически воссоздавать мир, который при этом реальным не считали. Произведения приоткрывают двери в тревожную страну загадочных фигур и объектов. Этот стиль нарекли «магическим реализмом». Авторы с фотографической точностью статично изображали объекты. Предельная детализация создает ощущение гротескности и сна. Картины магических реалистов (в частности, Отто Дикса (Otto Dix), перекликаются с метафизической живописью Джорджо Де Кирико (Georgio de Chirico), которая также представлена на выставке.

Работа художника-концептуалиста украинского происхождения, проживающего в США, Ильи Кабакова — так называемая, альба (от лат. — белая). К чистым листам с загадочными надписями предельно бытового толка он перешел в начале 70-ых. Альбы предшествовали «жэковскому искусству» Кабакова, напоминающие агит-стенды.