Gehender Mann II

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wird das Kunstwerk als relevant angesehen, wenn Sie einige Zeit davor verbringen müssen, um das beabsichtigte Objekt zu identifizieren. Es ist besser, noch den Namen der Arbeit oder die Erklärung des Kurators zu lesen. Besser noch, versuchen Sie nicht, das Bild mit einem realen Motiv in Beziehung zu setzen. Die gegenwärtige Kunst ist abstrakt.

Europa nach dem Zweiten Weltkrieg wurde verwüstet, zerstört, ausgeblutet. Menschen werden mit all ihren Verletzungen, unwiederbringlichen Verlusten, Einsamkeit, Scham und Verzweiflung ausgesetzt. Und Abstraktion erweist sich oft als die einzige Sprache, um über diese Katastrophe zu sprechen. Alberto Giacometti kehrt nach Kriegsende mit mehreren Streichholzschachteln nach Paris zurück - in diesen Schachteln seine Skulpturen der letzten Jahre (1, 2, 3). Winzige menschliche Figuren, gesichtslos und zerbrechlich, fast ausgestorben. Aber in den nächsten Jahren werden sie anfangen zu wachsen.

Giacometti gelang es, das Bild der menschlichen Figur in die Skulptur zurückzugeben. Seine berühmten menschlichen Silhouetten mit gefrorenen Armen und Beinen sprachen von Schmerz und Todesangst, die nicht leiser waren als die Farbflecken auf den Leinwänden der abstrakten Expressionisten.

„Ich habe mich in den Lebenden immer zerbrechlich gefühlt. Als benötige er jede Sekunde unglaubliche Energie, um weiter zu existieren. Immer vom Verfall bedroht. Es gibt nur eine einzige Angst vor dem Aussterben. “- sagte Giacometti in einem Interview. Und diese Zerbrechlichkeit der Lebenden drückt sich in besonderen Proportionen des menschlichen Körpers aus: So sieht man eine Person in einem trüben Nebel in großer Entfernung, im unscharfen Hintergrund des Fotos, im Spiegelbild des nach dem Regen nassen Asphalts. Wenn die Figur dicht gegessen wird, greifbarer Raum. Durch die Reduzierung der Lautstärke der Figur vergrößert Giacometti die Distanz zwischen ihr und anderen, zwischen ihr und dem Betrachter. Dünnere Figur - immenses Leervolumen herum.

Männliche und weibliche Figuren von Giacometti erhalten auf unterschiedliche Weise ihre Lebensenergie. Frauen - sind fixiert, konzentriert und gesammelt, haben einen eigenen inneren Kern und eine solide Grundlage, überproportional große, stabile Beine (sie können nicht verschwinden)1, 2). Männer - immer in Bewegung: Schritt, anzeigensogarfallen - auch Action. Existenzielle Schriftsteller sahen in diesen Skulpturen von Giacometti die materielle Verkörperung seiner eigenen Philosophie. Jean-Paul Sartre schrieb einen Aufsatz für eine Ausstellung eines Bildhauers in Amerika und sagte, Giacometti schaffe es, eine saubere Geste zu vermitteln, die schwer zu fassende Sache, die einem Menschen verbleibt, wenn man alles Material entfernt.

Es schien ein unglaublicher Durchbruch, eine neue Sichtweise zu sein, denn von allen Sprachen der Kunst ist die Skulptur am wenigsten für den Transfer des Immateriellen geeignet. Bedingte Wörter, Alliterationen, Reime in der Literatur oder Farben, Farben, Formen in der Malerei, absolut unsichtbare, immaterielle Klänge und Intervalle in der Musik - jede Kunst eignet sich für spekulative Bedeutungen mehr als Ton, Bronze, Gips. Materialien, die von Natur aus nicht volumenfrei sind.

Giacometti formte seine langgestreckten gespenstischen Menschen wie Bleistiftzeichnungen in der Luft und brachte nach und nach kleine Lehmstücke von oben nach unten und von unten nach oben auf einen Metallstab auf. Bei Bronzegüssen können diese Unregelmäßigkeiten der angesammelten Tonmasse und sogar die Fingerabdrücke des Bildhauers berücksichtigt werden. Und er sagte, dass er die Skulptur nie als fertig betrachtet hätte - nur wenn sie in die Augen eines Besuchers einer Werkstatt, eines hartnäckigen Händlers oder einer Ausstellung gelangt wäre. Sobald jemand das Werk gesehen hat, können Sie es verschieben und vom selben Ort aus mit dem nächsten beginnen. Bildhauere und bewege dich weiter - verwandle dich ständig in eine reine Geste, die vom Aussterben bedroht ist.

Autor: Anna Sidelnikova