Adriaen
Brouwer

Obwohl sich der Künstler von seinen Landsleuten unterschied, blieb er dennoch ein Flame.In seinen kleinen Leinwänden zeigte Brouwer normalerweise unprätentiöse Szenen in düsteren, schmutzigen Tavernen, in denen Bauern, arme Leute, Vagabunden tranken, Karten und Würfel spielten und in gewalttätige Kämpfe verwickelt waren. Seine Untertanen leiden unter Armut, sie sind verzweifelte, verbitterte Menschen mit stumpfen Gesichtern. Die ungewöhnliche Kunst von Adriaen Brouwer war kein historischer Zufall in der flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts. Es spiegelte die wirklichen Schattenseiten des Lebens der flämischen Gesellschaft wider und folgte der nationalen niederländischen Tradition, den grotesken Bildern von Brueghel dem Älteren. Das Bild, das sich in der Malerei Flanderns mit dem höchsten Fortschrittsalter durchsetzte, fand eine Art entgegengesetzte Reaktion, veränderte sich dramatisch und behauptete sich in seinen Werken. Die jubelnde Fülle des Lebens verwandelte sich in gewagte Rücksichtslosigkeit, freudige Fröhlichkeit machte Bitterkeit und Apathie Platz, erhabene Schönheit verwandelte sich in Hässlichkeit. Die Bilder der flämischen Malerei schienen über den Alltag zu steigen, während die Bilder des Brouwer auf den Grund des Lebens sanken. Obwohl sich der Künstler von seinen Landsleuten unterschied, blieb er dennoch ein Flame.
Brouwers Werk ist ein seltenes Beispiel für eine Kombination aus Groteske und Lyrik, der harten Wahrheit der Themen und der malerischen Schönheit. Diese Merkmale zeigten sich nicht sofort. Der ungeschminkte Cartoon setzt sich in seinem frühen Gemälde Die Schule (Berlin, Staatliche Museen) durch, in dem das Gesamtbild wie eine Müllhalde gnomenartiger Freaks aussieht. In vielen seiner Arbeiten bleiben die Bildgleichmäßigkeit und die Unkompliziertheit der Merkmale erhalten. Der Künstler stellt eine Gruppe von Figuren, die sich normalerweise um einen Tisch oder eine Bank befinden, in den Vordergrund und verbindet sie mit einer gemeinsamen Aktion. Er zeigt ihre veränderlichen Körperhaltungen, Drehungen, scharfen Gesten und mobilen Gesichtsausdrücke (Argument over a Card Game, 1627) , München, Alte Pinakothek, Bauern, die sich um Karten streiten, Dresden, Bildergalerie, Der Streit im Kartenspiel, Szene in einer Taverne, 1632, alle in St. Petersburg, Staatliche Eremitage, Kämpfende Bauern, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum of Fine Kunst; Das Schlachtfest, Schwerin, Kunstmuseum).
Das Rauchen von Tabak war in Flandern im 17. Jahrhundert verboten, das Verbot wurde jedoch auf jede erdenkliche Weise verletzt, Raucher versammelten sich in geheimen Höhlen. Eine gewisse Tapferkeit wird in Brouwers Gemälden zu diesem Thema betont. Der Protagonist eines solchen Gemäldes (The Smokers, um 1637, New York, Metropolitan Museum of Art) ist ein junger Raucher im Zentrum, möglicherweise ein Anfänger. Mit offenen Augen bläst er Rauch aus seinem weit geöffneten Mund und zeigt einen Zustand des Staunens und der Freude, den seine Gefährten spöttisch beobachten.
Die betonten Gesichtsausdrücke zogen den Künstler besonders in Nahaufnahmen an. Das Gesicht wird durch eine Grimasse des Schmerzes verzerrt, wie in der Szene der grausamen Hausmedizin, die ein Test für die Ausdauer des Patienten wird (Eine Operation an der Schulter, 1630). Der bittere Trank (1636–1637) verursacht eine Grimasse des Ekels (beide in Frankfurt am Main, Städelsches Kunstinstitut).
Gleichzeitig schuf Brouwer Bilder, in denen die Grundleidenschaften nachzulassen scheinen, der kontemplative Charakter, der Humor und die lyrische Farbgebung von Bildern verbessert werden. Betrunkene und Raucher unterhalten sich friedlich, spielen Bälle, singen Lieder. Im Bauernquartett (München, Alte Pinakothek) singen vier Männer selbstlos mit offenem Mund, eine dicke Bäuerin mit einem Kind wärmt sich am Kamin auf. Das Bild besticht durch menschliche Wärme und die Wahrheit des Lebens.
Bunte Lösungen bilden oft einen Kontrast zu der unprätentiösen, manchmal grausamen Prosa der Subjekte. In den Szenen, die in engen Tavernen oder auf der Straße in der Nähe von schmutzigen Zäunen und Hütten stattfinden, verbindet eine gemeinsame Licht-Luft-Umgebung die Figuren, Vorder- und Hintergrund. Subtile Übergänge von Licht und Schatten mildern die Formen. Der Hintergrund, in dem der Alltag weitergeht, ist leicht und transparent in grau-gelblichen Tönen gemalt. Die Kleidung der Vordergrundfiguren bildet harmonische bunte Flecken von verblassten zarten bläulichen, cremefarbenen und rosa Tönen. Die Maltechnik des Brouwer überrascht mit seiner Kunstfertigkeit.
Im Laufe der Jahre wird das Thema Einsamkeit in seiner Arbeit intensiviert. Das Selbstporträt (Den Haag, Mauritshuis), das in den letzten Jahren seines Lebens gemalt wurde, ist für seine Zeit ungewöhnlich: Ein erniedrigter Mensch, dem äußerlicher Anstand gleichgültig ist, ist voll von einem komplexen Innenleben.
Brouwers spätere Landschaften sind voller Lyrik. Einige von ihnen sind von besonderer Intimität, Frieden und Ruhe in der Natur geprägt. Andere sind dramatisch und aufgeregt. Dies sind meistens Nachtlandschaften, die vom ungleichmäßigen Mondlicht beleuchtet werden und über zerrissene Wolken und im Wind raschelnde Bäume gleiten (Dünenlandschaft bei Mondschein, Berlin, Staatsmuseen); Die einsamen Gestalten der Vagabunden sind besorgt, der schnelle Abstrich ist unruhig. Die Landschaften des Künstlers stehen allein in der flämischen Kunst, sie schwingen in ihrer Ausdruckskraft mit Rembrandts Landschaften mit.
Nur wenige konnten Brouwers Werk im 17. Jahrhundert positiv annehmen.